I le texte et le langage de la comédie

 

1.1

            Eonnagata est un spectacle de et avec la danseuse contemporaine Sylvie Guillem. Accompagnee par le choregraphe Russell Maliphant et le comedien Robert Lepage, elle interprete l'histoire du Chevalier d'Eon, Charles de Beaumont. Cette reference historique a l'espion du roi Louis XV n'est que la toile de fond de cette mise en scene qui traite de la question de l'androgynite. En effet, le Chevalier d'Eon  s'habillait et se comportait comme une femme pour satisfaire son metier d'espion, mais aussi parfois, sous la contrainte ( a la cour d'Angleterre ).


            Le spectacle mele scene historiques a tableaux sur le theme de l'opposition entre l'homme et la femme. Un theme qui est tres souvent repris par les couleurs des costumes ( blanc pour la femme, noir pour l'homme ) et le jeu des lumieres., ou a la fin, celui du mirroir.Le decor tres simple et moblies ( des panneaux noirs, des tables ) est egalement utilise pour signifier cette opposition. La mise en scene egalement un melange entre theatre et danse, danse et arts martiaux.  Certaines techniques de jeu ( l'homme qui peut jouer une  femme, par exemple ) sont emprunte au theatre japonais Kabuki. Cela explique egalement le titre du spectavle : Eon + Onnagata ( technique de jeu ou l'acteur homme joue une femme ). A ce titre, on trouve de nombreuses references au Japon: kimono, jeu des ombres...


           Le spectacle souvre sur une scene de combat, ou le danseur et seul sur la scene, avec un impressionnant jeu de lumiere. En revanche, je n'ai pas completement compris l'allusion au drapeau de la France, qui n'est pas d'epoque. Au milieu de la piece, on trouve, etonnament, un dialogueentre Beaumarchais et Charles de Beaumont. Avec des rires enregistres, qui etaient, je pense, censes faire le decalage avec le reste de la piece. Je n;en ai vraiment pas compris l'utilite, et j'ai trouve que ca cassait toute l'ambiance magique du reste du spectacle.Certaines scenes etaient egalement a, mon gout, un peu trop explicite, la mise en scene ne laissait pas le spectateur se faire sa propre interpretation.
Pour revenir aux bons moments, parce qu'il y en avait, j'ai trouve l'ensemble des scenes des kimonos vraiment magnifiques, surtout celle utilisant les ombres. De meme pour celle de la mort, avec le jeu du mirroir. Les costumes du createur Alexander McQuenne donnaient une atmosphere encore plus intemporelle a la piece, et le jeu des lumieres etaient particulierement reussi.

         Mon avis sur ce spectacle est donc partage.  Une  mise en scene  interessante, avec des moments surjoues s'opposent a des scenes vraiment belles.

Chloe D

PB: en quoi le théâtre Nô est-il ancré dans la tradition japonaise ?
I - Histoire du théâtre japonais
a) son apparition

A la base, le théâtre, qui était appelée « danses des signes », était interprétée dans la rue, un peu à la volée et le but était de divertir les passants et les voyeurs. Mais au fil du temps ce théâtre des rues sympathique devins dramatique et est plus porter pour la classe noble. Par la suite que le théâtre Nô fut inventé et créer par « Maître Zeami ». Mais il demeures toujours des pièces comiques mais qui n’est pas tournés pour le même public.

Comme avant ceux qui représentait les personnes noirs était des blancs mais enduit de couleurs noir pour la vraisemblance ; le théâtre japonais qui n’acceptait pas les femmes sur scène, envoyait à la place des petits jeunots.

Mythes (A FINIR)

On retrouve le théâtre souvent sous quatre formes différentes, ainsi :

Le théâtre Nô. Il date du XIVème Siècle et c’est du drame lyrique.
Le théâtre Kyôgen. Il date également du XIVème Siècle et c’est du théâtre Nô, mais sous la forme comique.
Le théâtre Bunraku. Il date du XVIIème Siècle et c’est du théâtre de marionettes.
Le théâtre Kabuki. Il date également du XVIIème Siècle et c’est le l’opéra comique

 

b) son évolution

Effectivement le théâtre japonais touche à la religion, étant donnée que les spectacles sont des offrandes aux Dieux.
Selon une légende japonaise, les japonais craignaient le sombre, les nuages et lorsque tout se couvrait, cela voulait dire un mauvais présage arrivé. Ils décidèrent de trouver des solutions. Ainsi, les théâtres seraient joués pour faire sortir « Amaterasu », la déesse du soleil, de la grotte dans laquelle celle-ci se cache. Lorsque les japonais se sont mis à faire du théâtre, donc toutes sortes de chants et de danses ; la déesse fit un pas en dehors de sa cachette et découvrit à sa grande surprise plusieurs autres Dieux, qui étaient en train de faire la fête. Tous dansaient et chantaient, ainsi elle les rejoignit pour s’amuser. De ce fait le japon fut illuminé car Amaterasu, en sortant de sa grotte leur avait apporté lumière et ainsi sérénité.
Depuis ce jour les japonais qui désirs le soleil, jouent du théâtre, de manière à ce que la déesse du soleil sorte de sa grotte pour s’en aller se distraire et leur apporter au passage la lumière. On dit que grâce au théâtre que le monde n’est plus plongé dans le noir des « ténèbres », dont il sont effrayés.
Le théâtre Japonais apparaît au 15^e Siècle grâce au épopée qui fut leur source d’inspiration, mais il était déjà présent à partir du 10^e Siècle.
Le théâtre est une sorte de bénédiction pour le peuple japonais, effectivement grâce au théâtre qui serrais à la base servis pour les Dieux, ferait sortir la Déesse du soleil « Amaterasu ». Le théâtre est donc, même si il n’a pas une place de premier rang, d’ordre important au sein de la société japonaise, qui suivent les croyances des anciens.

 

c) grands auteurs et grandes pièces(A FINIR)

 

TRANSITION AVEC LES THEMES DU THEATRE JAPONAIS PUIS DU NÔ PLUS PARTICULIEREMENT :

Le No est un genre au théâtre japonais.
Le théâtre Nô a été inventé et fondé par un père et son fil, Kanami (1333-1384)  et Zeami (1363-1443),, au alentour du demi-Siècle du XIVème. C’est Shôgun Ashikaga Yoshimitsu, qui leur demanda de créer ce genre.
C’est de l’art théâtrale qui est tourné vers le dramatique. Les danses et déplacements très lent et une musique plutôt aiguë, voir stridente ; fait avec des instruments du japon. Les chants sont simples, mais plutôt grave, articulé et lent. Le tout est de donnée une allure dramatique à la pièce de théâtre.
Ce genre de théâtre vise les classes noble, c’est l’aristocratie qui est visée. Effectivement le Nô est composé de plusieurs centaines de pièces ( environ 250 ).
D’un point de vue religieux, c’est un genre qui est inspiré du bouddhisme.
Les pièces sont jouées modestement et en pleine air. Un premier acteur vient sur scène pour installer le décors et situé l’action dans le temps et raconter un peu se qui est en train de se passer, cette homme s’appelle un waki. C’est lui qui entonne le premier chant. L’acteur principales soit un shite, arrive une fois le décors posé et l’intrigue expliqué. Il porte un masque, change de vêtements souvent marche et parle très lentement. Après le chœur doit répéter pour les spectateurs d’une manière plus intelligible ce que viens de dire le shite. Toutes les danses et déplacements sont extrêmement lents. Le Nô est composé de cinq actes, il dure donc assez longtemps ; c’est pour cela que trois pauses font fait durant la pièce. Pour indiqué que l’on change d’actes, l’acteur principale tape du pied sur le sol.
Si le Nô n’est pas joué dans la rue, il est alors joué sur une estrade protégé. Tout cela toujours modestement. Le décors reste également simple. Les musiciens sont quatre et sont situés au fond de la scène, le chœur lui est placé à droite.

II. La comedie et les rapports qu’elle entretient avec son public.

 

Notre point de depart consistera en l’analyse du theatre comique de Moliere et les enjeux qu’il represente:

 

- En quoi consiste le comique de Moliere ?

=> Le theatre de Moliere consiste en une remarquable synthèse entre deux courants jusque là divergents: le premier est issu de Plaute, celui de l’ancienne farce qui se carracterise par le seul desir de faire rire en presentant une image caricaturale du monde. Le second est issu du theatre humaniste, la correction des moeurs grace a une peinture fidele a l’homme.

Cette synthese lui procure une large palette d’effets comiques ou l’on peut distinguer le comique de gestes et de mots issu de la farce, et le comique de moeurs permettant une satire sociale.

 

- Analysons maintenant en details le comique de Moliere:

=> On peut distinguer trois grandes formes de comique:

1. La satire du ridicule => qui sous entend la conception morale de la comedie.

2. Le comique de fantaisie => qui se fonde sur le principe du monde renverse du carnaval.

3. Le comique de l’absurde => qui se base sur la mise en abime d’une vision du monde ou le rire est la seule reponse du public devant la folie du monde.

 

- Quelles sont les particularites de Moliere ?

=> Moliere utilise a merveille le “ridicule”. En effet a cette epoque, nous sommes dans le courant de l honnetete qui invite chacun a s’observer afin de deceler les divers ridicules auxquels il convient d’echapper. Pour Moliere le rire produit par ce ridicule est la clef de voute de son theatre. Selon lui la comedie doit faire rire, faute de quoi, elle serait sans objet. Dans cette perspective, l'éclat de rire du public est le signe que la peinture des ridicules humains est vraie.

Moliere est aussi le premier a avoir brise l’illusion theatrale du “quatrieme mur” de maniere a accentuer le rire du public. Par ce moyen il amplifit les rapports entre comediens et spectateurs pour un impact plus directe. C’est ce que l’on appelle le rire de conivence ou l’on joue avec cette illusion, ainsi, le personnage semble avoir conscience de la prescence du public ( ex: L’avare qui cherche son voleur et s’adresse directement au public dans la salle ).

 

- Quels sont les differentes fonctions du rire pour Moliere ?

=> Le rire revêt différentes fonctions et significations dramatiques dans le théâtre de Molière: il correspond le plus souvent à une sanction morale du public à l’égard d’un ridicule qu’il s’agit de fustiger, non sans cruauté parfois; sont ainsi visés quelques uns des errements de l’homme considérés comme des accidents, tels que l'hypocrisie, l'avarice, ou le snobisme.

Mais au dela du rire et de ces differentes fonctions, sa volonte est d’etendre les ambitions du theatre comique ou il voudrait que la comedie ne se contente plus seulement de faire rire, mais aussi de rivaliser avec le genre serieux. Il veut emouvoir les spectateurs ce qui etait neuf dans l’histoire dramatique. Le rire alors qui en resulte est parfois pour le moins ambigu, entre le comique et le pathetique, comme le remarque Musset: “Quelle mâle gaieté, si triste et si profonde que, lorsqu'on vient d'en rire, on devrait en pleurer”.

 

Le fait de faire rire est aussi un moyen pour les auteurs de faire passer un message a travers leur piece. Ceci n’est pas forcement facile, avec l exemple de Dieudonne, un comedien contemporain qui a evoque le probleme israelo-palestinien dans son show et fut interdit de representation par la suite. Cependant le rire rend plus leger n’importe quel sujet dramatique, c’est en cela que beaucoup de comedies sont engagees. Nous pouvons prendre l’exemple L’ecole des femmes de Moliere ou L’avare qui sont deux pieces qui ont pour but de dennoncer et faire changer les moeurs. Ce genre de sujets restent recurrents et toujours d’actualite car ce sont des vices carracteristiques de l’homme, c’est en cela que c’est un genre universelle indemode et indemodable.

(Romain F.)

 

 

Le théâtre dans l'antiquité

Les différent genre et registres des pièces grecques:

Le théâtre, à travers différents genres et registres, a une fonction importante dans la vie des citadins. En effet, elle les pousse à s'interroger sur l'Homme, son rapport aux Dieux, leur place dans la cité, et la cité elle-même. Les Dieux sont très présents dans la tragédie notamment au travers de l'idée de destin, l'Homme et la cité font partie des thèmes principaux des pièces, quelles qu'elles soient.

1. Le Drame satyrique

On peut comparer le drame satyrique a la tragicomédie venue plus tard actuelle. Les drames satyriques étaient, a l’origine, de courtes prestations au début de spectacles, puis il prit, en parti grâce a la demande des spectateurs, une réelle forme de «drame satyrique», qui succéda à la trilogie tragique.

Le Cyclope d’Euripide, ou l’on voit Ulysse ridiculisé, confronté a un monstre et a un bouffon, est un exemple de drame satyrique. Le personnage vedette des drames satyriques est Prothée. Dans le cœur, il y a 15 satyres: hommes et boucs, qui marchent sur leurs mains et dansent. Les sujets de drames satyriques sont souvent en accord avec les tragédies qui les précédent.

2.La tragédie

La tragédie est un genre dramatique en vers qui met en scène des personnages historiques ou mythologiques s’exprimant dans un langage soutenu.

Il n’y a aucune scène d’amour dans les tragédies grecques. Le destin «fatum» écrase le héros tragique. La fatalité porte le même nom que l’erreur: «l’até».Cependant, on remarque que l’élan euphorique des autres genres de pièces de théâtre subsiste toujours. Eschyle est le premier a instaurer un second acteur, ce qui installe un dialogue entre deux personnages. De plus, il place le décor et les costumes. Les récits font référence a la mythologie et l’histoire antique, avec lesquelles les poètes prennent leurs liberté, c'est a dire qu'ils adaptent leurs récits en fonction de leur public et surtout à la cité de laquelle ils viennent: Athènes, Corinthe, Sparte, Argos et Thèbes entre autres. Ce qui permet un héritage en tragédies riche et varié autour d'une même légende. Par exemple, Eschyle et Sophocle ont écrit deux tragédies différentes autour du même thème: Electre.

La structure des tragédies se rapproche de la structure actuelle, cinq actes. En effet, elle commencent toutes par un prologue qui précède l'arrivée du chœur, qui a une fonction explicative, informative et surtout narrative. A cela, suivent des journées, ou «actes» dans lesquels sont développées et jouées par un, deux ou trois acteurs, certaines scènes importantes «moment-clef» de la pièce, il y en a cinq.

3. La comédie

La comédie naquit dans la rue, et pouvait être jouée par tout le monde. Elle mettais souvent fin aux journées de représentations de théâtre et arrivaient après les tragédies, afin de détendre l'atmosphère. Les personnages ne sont pratiquement que des hommes.

Les comédiens ont de grosses lèvres et des masques ayant un aspect animal. , ainsi que de gros derrières et d’imposants nez. Ils sont vêtues de grande tunique ronde,tenues par des cerceaux. La comédie grecque suit la même structure que la tragédie: on a 24 choristes, plus un coryphée, qui rentre après le prologue. Aristophane, au V ème siècle avant Jésus-Christ, mêle grossièreté et poésie, critique la société de son temps et célèbre paix et sagesse. Il est l’auteur de Les guêpes, dans laquelle il dénonce les dérives de la démocratie L'Assemblée des Femmes ; et Lysistrata.

Ménandre, IVème siècle avant Jésus-Christ: la comédien devient obscène, sans attaques personnelles, ni allusions a la politique. Il supprime le chœur et crée des personnages comme des vieillards, courtisanes, esclaves, marins…La comédie antique cherche tout d’abord a provoquer le rire et use de plusieurs artifices jeux de mots, déguisements outranciers. Ces pièces sont bâties autour d’une situation familiale associant amour, argent et quiproquos, et de types sociaux caricaturés et faciles à identifier: le père avare, labelle-mère acariâtre, etc.

Axelle LOPEZ de ARIAS

Le jeu des acteurs romain était entièrement codé, tant par les contraintes d’espaces de jeu qu’à la nécessité de représenter des stéréotypes de la société romaine. En effet , la cavea , où avait lieu le jeu , était un espace immense plateau.  Par conséquent, les acteurs devaient porter des costumes qui, même vu de loin , parleraient au spectateur. Le théâtre romain était très populaire, tout types de personnes, des plus pauvres aux savants y assistaient. Le fait que les acteurs représentent des stéréotypes de la société romain permet à chaque citoyen d’identifier le personnage. Les gestes avaient aussi chacun une signification particulière.