“REDEMPTION IS ABOUT SOMEONE WANTING TO CHANGE.”

e Ruban est une production de danse, réalisée par la compagnie française Lexintown, dont le but est de divertir des cérémonies et des galas d’organisations culturelles et charitables, avec des spectacles de danse classique. Elle s’est déroulée le matin du samedi 12 novembre 2011, à l’Alliance Française de Singapour. La production était divisée en deux parties : dans un premier temps, nous avons eu le droit à assister à un solo et à un duo ; puis nous avons ensuite regarder la production filmographique du spectacle Le Ruban lui-même.

e solo était tiré d’un ballet classique, appelé Don Quixote, chorégraphié originalement par Marius Petipa, dont l’extrait choisi se trouve à l’acte III. C’était de la danse pure classique, contrairement au duo... Effectivement, le duo, dansé par Jonathan Guillarme et Elsa Raymond (tous deux ayant fait leur formation à Lyon) demeurait, lui, un duo plutôt contemporain. Même si Elsa Raymond était sur pointes, les mouvements, eux, faisaient bien partie de la danse contemporaine. Leur contrôle restait parfait pendant toute la représentation, avec de nombreux portés, sauts, mouvements lents, mais souvent en contact avec l’autre. C’était comme s’ils ne formaient qu’une seule personne parfois. Je trouve que leurs sentiments se dégageaient bien lorsqu’ils dansaient. Ce qui était intéressant aussi, c’était de pouvoir les rencontrer après la représentation et de leur poser des questions ! (en tout cas, moi j’en ai profité !)

a seconde partie du spectacle était filmographique : il s’agissait en effet du ‘making of’ de la production Le Ruban, chorégraphié par Grégory Gaillard. Avant de devenir chorégraphe, Gaillard était tout d’abord un danseur (et l’est toujours d’ailleurs ! il sera même dans le corps de ballet de Giselle en janvier !) qui a dansé avec les plus grands chorégraphes jamais connus (tels que Balanchine, Noureev ou encore Béjart), et avec une des meilleures compagnies de danse mondialement réputée : l’Opera de Paris. Gaillard a travaillé en collaboration avec la directrice filmographie Bérangère Prévost pour réaliser ce film. Le Ruban dure environ 1h00 et inclus uniquement quatre danseurs – Julia Bailet (interprétant Lisa), Jean Sébastien Colau (Anton), Xavier Juyon (officier de police) et Mikael Champs (officier de police). L’histoire est basée sur les principes de l’amour et sur le pardon. En effet, le synopsis du spectacle Le Ruban est l’histoire d’Anton, fou amoureux de sa femme Lisa mais qui va tomber dans une addiction pour la drogue... Cela va le mener en prison, et va créer des problèmes dans le couple, puisqu’à présent, Lisa ne fait plus confiance à Anton, et ne comprend pas comment il a pu lui faire ca. Lorsqu’il est incarcéré, il va tout d’abord refuser de manger et de boire, et tomber petit à petit dans une dépression. Mais lorsqu’il essaie de changer sa force interne, Anton va se faire aider de deux officiers de police, afin de regagner sa force et son courage ; ce qui va le pousser à écrire une lettre à sa femme, lui disant qu’il regrettait ses actes et qu’il voudrait se faire pardonner. C’est ce que Lisa décide de faire : pardonner son mari afin de lui rendre sa force et donc sa raison de vivre. Avec cette lettre, Anton va aussi joindre un ruban (d’où le nom du spectacle), que Lisa va porter jusqu’à son retour. Ils sont de nouveaux ensembles à la fin de la représentation. Le film est divisé en huit scènes ; toutes plus impressionnantes les unes que les autres. Les danseurs paraissent en permanence extrêmement légers, et ils donnent aussi souvent l’impression que les mouvements qu’ils réalisent sont simples (mais ce n’est pas le cas malheureusement...). J’ai beaucoup aimé ce film, mais c’est vrai que j’aurais quand même préféré le voir en direct je pense. Je trouve également que les éclairages et la musique se mariaient bien avec la danse classique ; et que les sentiments des danseurs se faisaient très bien ressentir. Pour moi, c’était une excellente matinée et j’en garde de bons souvenirs ! Merci Monsieur d’ailleurs de nous y avoir emmenés !

Pour plus d’informations, vous pouvez contacter la compagnie par e-mail : martine.coiquaud@lexintown.com ou par téléphone, au 9081 0712.

FORGIVENESS IS A TESTIMONY OF TRUE LOVE.

Julie JOUSSE

La pièce commence sur le début du service du soir au restaurant. La scène est séparée en deux : la cuisine et la salle de restaurant. C’est un décor très réaliste qui permet de comprendre plus facilement l’intrigue. Les éclairages se tamisent d’un coté de la scène lorsque l’action se passe dans l’autre. Néanmoins on se retrouve pas dans un immobilisme dans le coté sans action ce qui laisse une ambiance de réalité et ne brise pas l’action passée. Par ailleurs les transitions entre les deux espaces de jeux étaient très bien faites. Lorsque des deux cotés une dispute éclate, c’est simple de suivre les deux qui sont simultanées. Si la parole n’est pas superposée les actions le sont et le jeu d’éclairage permet de comprendre qu’est ce qui passe et où.

Après l’entracte on se retrouve dans la cave du restaurant. Le décor a radicalement changé tout en restant très réaliste. Petite surprise, la table de poker tourne. Une manière certainement de ne pas avoir des acteurs de dos mais qui ne m’a pas plu, j’ai trouvé que ça a gâché l’ambiance rétro de la pièce. La faire tourner pendant les noirs n’aurait pas choqué mais sous les projecteurs reste une idée à revoir. En plus le petit bruit électrique brouiller le silence du jeu de poker.

J’ai trouvé que les acteurs étaient très motivés et présents sur scène. Les sentiments des acteurs se reflétaient dans le public. Lorsque Sweeney par exemple fond en larmes car il a dépensé l’argent qu’il destiné a sa fille dans le jeu, on peut comprendre la situation et sympathiser avec le personnage. Des acteurs montés sur scène pour faire rire et qui s’y plaisent où du moins donne l’impression c’est ce qui fait que j’ai très apprécié cette pièce.

La fin est triste, rare pour une comédie mais il en faut bien ! Une belle histoire qui se termine sur une morale : ne pas commencer à jouer au risque de perdre ceux qu’on aime.

            Je n’en dirais pas plus ! Prenez vos places ! Dealer’s Choice est sur scène au Drama Center Theater de la National Library jusqu’au 16 Octobre.

                                                                                                                                    Anne.

 MACBETH

mystery, madness, murder and mayhem

Après le ballet de Roméo & Juliette, restons dans Shakespeare avec “Macbeth”, qui joue à Fort Canning park du 28 avril au 22 mai.

 La représentation est en plein air, ce qui est un concept qui me plait beaucoup: la pièce commençant à 19 heures 30, on prend plaisir à voir la nuit tomber, à être assis dans l’herbe, à voir des chauves-souris passer de temps à autre (eh oui !). Bref, il y a bien un petit côté magique à ce genre de représentation. Seulement… Peter Brooke a dit, si je ne me trompe pas, que pour bien ressentir une pièce, il faut qu’elle soit jouée dans une sale relativement petite; ainsi, les “vibrations” des acteurs parviennent mieux au public. Macbeth en est la preuve: quand on joue pour un public de 1800 personnes, et en plein air en plus (ce qui implique des micros), le courant a du mal à passer. Si la pièce avait été une comédie, cela aurait pu fonctionner, car alors la réussite aurait reposé autant sur le texte que sur le jeu des acteurs. Mais, dans le cas de Shakespeare (sans vouloir l’offenser), même en connaissant l’intrigue de la pièce par coeur, on ne comprend guère plus de 20% du texte. Ainsi, la réussite de la pièce reposait ici surtout sur le jeu…

…Qui, malheuresement, était décevant. Tout d’abord, Adrian Pang, qui jouait Macbeth, avait d’horribles tics gestuels : je mets ma main dans ma poche, je l’enlève, je la remets, je l’enlève… Insupportable ! Parce qu’on a tous ce genre de tics sur scène, je sais à quel point c’est difficile de s’en empêcher, mais tout de même : on pourrait attendre d’un acteur professionnel qu’il soit au courant que ce genre de petits gestes, répétés toutes les 10 secondes, gâchent tout ! J’avais vraiment envie de lui scotcher les mains et les pieds. À un seul moment, lors de sa réplique la plus connue,

 Life's but a walking shadow, a poor player
That struts and frets upon the stage
And then is heard no more: it is a tale
Told by an idiot, full of sound and fury,
Signifying nothing.

,Adrian Pang avait les deux mains à plat, posées devant lui, et c’était une des seules scènes vraiment belles à regarder.

 Ensuite vient Lady Macbeth, qui était jouée par Patricia Toh. Lady Macbeth, une vampe, séductrice, obsédée par le pouvoir au début, puis rongée de remords à la fin… ah bon ? L’actrice avait l’air dans la retenue, presque froide. Elle n’était pas présente à 100%. Comme pour Adrian Pang, j’avais juste envie de me lever et de la secouer par les épaules pour lui dire de se réveiller ! 

Le reste des acteurs était très inégal: certains étaient extrêmement naturels (Lady Macduff, Malcolm), ce qui détonnait complètement avec d’autres qui semblaient réciter leur texte en regardant le public, du style, “Vous n’avez rien compris ? C’est pas grave, moi non plus !”. Bref, le jeu n’était pas convainquant…

 …Pas plus que la mise en scène. Les anachronismes (costumes complètement modernes, téléphone portable, appareil photo, pistolets, drogue !) qui rendaient certaines scènes plus comiques que tragiques. Le metteur en scène, Nikolai Foster, voulait peut-être montrer au public que la quête de pouvoir est un sujet d’actualité, mais j’aurais apprécié des indices plus subtils. Un autre manque de subtilité : la fausse tête décapitée de Macbeth, que Macduff rapporte victorieux à la fin. C’était tellement kitsh, je n’arrivais pas à y croire ! Pourquoi insister sur des détails pareils dans une pièce qui est censée être bouleversante ?

 Enfin, je tiens à souligner que j’ai néanmoins aimé certains aspects de la pièce, heureusement ! La lumière était très bien gérée, elle créait vraiment des ambiances parfois oppressantes, parfois douces; les lumières changeaient très souvent, au grès des répliques des acteurs. Il y avait également de la musique un peu “new age” (oui, comme ce que monsieur Massis écoute) entre chaque scène, et honnêtement, la musique apportait presque plus d’émotion que les acteurs. Enfin, il y a trois actrices qui m’ont beaucoup plu : les sorcières, qui sont une sorte de choeur qui apparaît régulièrement pour annoncer des prophéties. C’étaient les seuls personnages dont les costumes étaient vraiment beaux, et leur jeu (elles sont complètement folles, décandantes) était parfait.
Finalement il n’y a qu’une scène que j’ai vraiment aimé, celle du banquet. Lors de ce banquet, donné par Mcbeth, apparaît son ancien ami Banquo (que Macbeth vient de tuer), sous la forme d’un fantôme que seul Macbeth peut voir. J’ai trouvé l’apparition de Banquo très réussie (il sort de sous la table !) car innatendue (après avoir lu le résumé, c’était la scène que j’appréhendais le plus, me demandant comment elle allait être mise en scène) et bien jouée : cette fois, les gestes horripilants de Macbeth sont les bienvenus car il est littéralement en train de sombrer dans la folie ! De plus, Banquo était vraiment effrayant.

 Pour conclure, Macbeth m’a plutôt déçue et j’en suis repartie sans avoir rien ressenti de particulier. Pour une fois que je n’aime pas une représentation, dommage que ça tombe sur une des pièces les plus connues de Shakespeare !

Clémentine

" LOVE IS A BATTLEFIELD "
                                                                  - Pat Benatar

C  R  I  T  I  Q  U  E  S :
La pièce fut très similaire au film, que j'avais vu auparavant. Je trouve que les dialogues sont bien écrits, avec des répliques vives, qui sont coquettes mais tout de même intelligentes. Malgré l'intrigue mélancolique d'amours trahis ou perdus il y a des moments qui nous font rire ou sourire, ce qui apporte un bon équilibre a la pièce. Le décor était très simple et bien utilisé, cependant on pouvait voir tout ce qui se passait sur scène lors des moments de transition, quelque fois les acteurs restaient au milieux a nous regarder, ou alors il se promenaient et interagissaient avec les gens qui changeaient le décor ou les autres acteurs... Je pense que cela pouvait potentiellement représenter le temps qui passe, mais je n'en suis pas tout a fait sur, peut être auriez-vous votre propre avis sur la signification de ces changements?

J’étais déçue de ne pas avoir vue Emma Yong dans le rôle d’Anna. En effet, il était marqué sur des brochures qu’elle jouerait dans la pièce, mais suite a un trouble de la sante, elle a dut se retirer. Suite à sa performance dans « BlackBird » j’avais hâte de voir comment elle s’y prendrait pour incarner le personnage qu’est Anna. Cependant, je trouve que sa remplaçante, Tan Kheng Hua s’est bien débrouillée.

Une autre chose qui m’a déçue fut Alice, ou plutôt dirais-je l’actrice qui l’incarne, Cynthia Lee MacQuarrie. Je ne pense pas que le rôle d’Alice soit très difficile à jouer, elle est jeune, pleine d’énergie, comme toute personne qui vit ses vingtaines. Pourtant, je n’ai pas du tout aimer le jeu de Cynthia… je l’ai trouvée très énervante, sa voix très gnangnan, ne changeant jamais de ton, quelle que soit son émotion. Peut-être était-ce fait exprès, car le personnage d’Alice est défini comme ca ? Je ne sais pas, ce que je sais est que a par sa dance du poteau, je n’ai pas aimé sa performance.

Autrement la pièce est très bien, tout y est fluide (pas de problèmes de compréhension), on remarque bien la connexion qui existe entre les personnages. Peut être un peu longue et répétitive vers les dernières scènes (« choisissez avec qui vous voulez finir à la fin ! »), mais cela pourrait être parce que je suis encore trop « jeune » pour comprendre ces « histoires d’adultes ». En tout cas, je sais que je m’impatientais à ces indécisions, qui me faisaient penser  des amourettes d’adolescents.

En résume, malgré mes critiques, une pièce à ne pas rater ! Car par-dessus tout cela, je l’ai quand même appréciée J

C’est à l’Esplanade du 21 au 25 Janvier 2011, que fut représenté Carmen, célèbre opéra de Georges Bizet, mis en scène par David Edwards avec la participation du Singapore Lyric Opera Orchestra, et Sophie Fournier dans le rôle de la fougueuse Carmen.

Séville, début XIX^ème. Parmi les cigarières de la manufacture, Carmen est celle la plus convoitée par les brigadiers. Sensuelle, fougueuse, franche, joueuse, rebelle, elle s’amuse à les voir tous à ses pieds, lui demandant « quand nous aimeras-tu ? ». Elle joue avec eux, c’est sa seule distraction… Elle rencontre un jour Don José qui se voit dans l’obligation de l’arrêter, suite à une bagarre avec une autre cigarière. Grâce à ses talents, elle n’a pas de mal à le séduire et l’embobiner pour s’échapper. Elle est libre, mais Don José reste désespérément amoureux d’elle, il renonce même à épouser celle que sa mère lui avait promise…

L’histoire est alors basée sur l’amour, qu’il soit sincère ou non, la jalousie… jusqu’où l’amour peut-il rendre fou ? Le destin funèbre de Carmen est ainsi le résultat de cet éternel jeu de séduction qui en a fait souffrir plus d’un.

La musique de Bizet est toujours aussi envoutante, qu’elle soit 

dynamique ou tragique, on ne se lasse pas de l’entendre.

Cependant, il est vrai que les chanteurs manquaient quelque peu de prestance, à la fois dans leur voix et dans leur jeu.

Ainsi, la chanteuse jouant Carmen était… bien. Elle chantait juste, jouait son rôle. Pourtant il n’y avait pas d’âme, c’était plat, elle ne poussait pas son jeu au maximum. Mais Carmen est la personnification de l’amour qui se joue de nous, de la fougue, de la sensualité !  Ici, elle se démarquait des cigarières que par sa première voix ; pour la prestance,  même les femmes du chœur semblaient être plus espiègles et séductrices !

Quant à Don José… que dire, si ce n’est que l’on se demande vraiment s’il a réellement bien compris son rôle : amoureux de Carmen ?… ah bon ? Heureusement qu’il y a du dialogue, sinon on aurait pas vraiment fait le point. Certes il y a du contact, mais la relation reste à ce stade. Que se passe-t-il ? Réveillons-le !

Le reste de la mise en scène peut également susciter de nombreuses interrogations… L’écran en plein centre du décor, à quoi sert-il ? Les images qui y sont projetées ont effectivement un rapport avec l’action (quoi que…) mais sont inutiles. Les males alignées au III^ème acte, à quoi étaient-elles destinées ? Le feu au début du I^er et III^ème acte, que signifiait-il ? Et cette sorte de cercueil où se couche Carmen (parce qu’elle sait peut-être qu’elle va mourir ?) pourquoi ?

En résumé, beaucoup d’artifices pour peu de sens…

En revanche, le chœur d’enfants était la touche sympathique du spectacle : les « petits soldats » chantaient distinctement et justement, tout en gardant leur petit côté innocent et fripon.

Enfin, même si l’on ne se souviendra pas des voix, on ne peut s’empêcher de fredonner, les jours qui suivent, les airs si agréables et si envoutants de Bizet. 

     Le jeu des acteurs mérite également des compliments : ils avaient tous une présence incroyable, surtout le Docteur Frank’n’Further : lorsqu’il arrive sur scène, il est de dos pendant environ trente secondes, et pourtant on sens tout de suite sa force, sa présence, c’est impressionnant ! De plus, la plupart des personnages n’ont qu’un rôle assez mineur mais restent sur scène pendant la majorité de la pièce ; pourtant, ils restent tous dans leurs personnages, leur démarche, attentifs et présents jusqu’au bout (et là, on pense tous au hallebardier de Brook). Enfin, puisque c’était une comédie musicale, je dois dire que j’ai été impressionnée par les voix des acteurs ! Je ne suis d’ordinaire pas une amatrice de comédie musicale,  mais cette fois-ci les musiques étaient vraiment entraînantes, les chorégraphies, parfois assez élaborées, réglées à la perfection, et les acteurs ne faisaient pas une seule fausse note.

Finalement, mon seul reproche serait pas la musique était beaucoup trop forte… et que j’avais du mal à voir à cause du chapeau de clown de mon voisin de devant.

En fin de compte, je recommande vivement The Rocky Horror Show. C’est une pièce très drôle, à ne vraiment pas prendre au sérieux, mais où le travail des acteurs et du metteur en scène est évident. Si vous allez le voir, attendez-vous à ce que les chansons vous restent dans la tête pendant une semaine.

(La troupe repart en Angleterre dans une semaine seulement, prenez vos places maintenant !)

--Clémentine

Chaque année la compagnie de théâtre Wild Rice fait une pièce de théâtre sur un compte connu par tous. Cette fois le fameux compte de Charles Perrault, Cendrillon, est choisi. Cinderel-lah !  est donc l’histoire de Cendrillon qui se déroule dans Singapour actuel. C’était le troisième spectacle de Wild Rice que j’ai vu et bien apprécier. 

Cindy est une jeune fille belle qui vit dans un HDB avec sa méchante belle mère et ses deux demi-sœur affreuses : Trésor et Précieuse. Celles-ci lui traitent comme maid singapourienne. Un jour ou un riche couple qui sont propriétaire d’un restaurant de crabes organise un bal pour que leur seul fils, Prince, trouve une femme a marié. La rumeur s’étant a toutes les filles de Singapour.La méchante belle mère apprend ceci et souhaite que sa soit lune de ses eux filles qui l'épouse. Cindy souhaite aussi venir au bal, mais la mère est contre. Le soir du bal, elle promis à Cindy la permission d’aller seulement si elle parvient à nettoyer toute la maison, ce qui est impossible. Mais grâce a sa Fairy God Makcik et l’aide de son ami, elle arrive au bal et est bien sure attire l’attention de Prince. Mais lorsque qu’elle dépasse son couvre-feu, elle s’enfuit de la fête sans laisser son identité à Prince. Ce dernier est déterminé a retrouvé son âme sœur. À la fin, Cindy parvient de pousser contre les complots de sa belle mère et prouve qu’elle est la fille que Prince cherchait et désirait tellement.  

La mise en scène et le jeu des acteurs ne m’avaient pas surpris et je connaissais bien l’histoire de Cendrillon que je n’aime point mais Wild Rice parvient toujours a tourné l’histoire avec des blagues, des farces et inséré de la culture générale ou locaux pour me faire rire.