Giselle et un ballet contemporain de l’opéra de Lyon, chorégraphié par Mats Ek. Chorégraphe et danseur contemporain originaire de Suède, il est réputé pour faire jaillir la psychologie tourmentée des personnages à travers les gestes des danseurs qui les incarnent, et bousculer les conventions du ballet. Ces particularités sont parfaitement reflétées par Giselle, qu’il crée en 1982.

           En effet, ce spectacle est un Giselle classique revisité. A l’origine, ce ballet romantique met en scène une jeune paysanne, Giselle, qui meurt de tristesse en découvrant que le duc  Albrecht dont elle est éperdument amoureuse est fiancé. La Reine des Willis, esprits de jeunes filles mortes vierge, décide qu'Albrecht doit suivre Giselle dans la tombe. Elle le condamne donc à danser jusqu'à la mort, par épuisement. Mais l'esprit de Giselle, en dansant avec lui, arrive à le sauver.

La Giselle de Mat Ek est différente, elle repose sur des idées plus contemporaines. Dans sa réinterprétation, le premier acte se déroule sur une île volcanique. Le seul élément de décor est un arrière-plan représentant un paysage tropical qui pourraient sortir directement d’un dessin animé: des collines verdoyantes à la rondeur exagérée suggérant la sensualité du corps féminin. Moquée par les autres villageois, Giselle est souvent seule dans son coin. Cette opposition est marquée par la différence entre leurs costumes : giselle porte du rose tandis que les paysans sont en gris ou kaki. En outre, elle est la seule avoir les pieds nus, ce qui souligne sont coté « enfant sauvage ».

Son fiancé Hilarion l’aime sans vraiment la comprendre et l’attache avec une corde pour l’empêcher de s’échapper. Malgré cette précaution, Giselle se libère et rencontre Albrecht, un jeune noble de la ville. Il est alors l’objet d’une fascination infinie de la part de la jeune femme. J’ai trouvé que la chorégraphie rendait l’amour de Giselle très crédible : le désir de découvrir l’autre était évident, tout comme la timidité signifiée par l’éloignement et le rapprochement alterné des deux protagonistes. De plus, le personnage de Giselle se comportait comme une enfant, ce qui la rendait d’autant plus touchante (déplacements à quatre pattes, grands mouvements de bras, sautillements, …) .

Découvrant l’amour naissant de sa fiancée, Hilarion s’oppose violement à Albrecht. S’ensuit une confrontation entre les paysans et les nobles, où Giselle est une fois de plus mise à part. Les villageois entrent en scène en poussant d’énormes œufs, symbole de prospérité et d’abondance. Alors qu’ils ne dansent que pour gagner de l’argent, d’une manière lourde et maladroite, les nobles entament une dance gracieuse qui s’y oppose. Albrecht semble alors renier Giselle pour retourner auprès de sa propre fiancée.

Le chagrin d’être trahie par Albrecht ne la tue pas, mais la rend folle. On comprend que Giselle perd la raison lorsqu’elle seule est éclairée, comme si elle était tout à coup seule au monde, et que les danseurs autour d’elle dodelinent de la tête de plus en plus vite. Les danseurs incarnant Hilarion et Albrecht, l’un en blanc, l’autre en noir, tournent ensuite en accélérant autour d’elle, peut-être pour signifier le tournis ressentit par Giselle.

Elle est donc envoyée dans un asile psychiatrique. Le rideau du deuxième acte se lève sur un arrière-plan surréaliste représentant une salle dont la porte est fermée, avec des morceaux de corps humain flottant dans l’espace : une paupière, un nez cubique, une oreille simplifiée, un sein, des morceaux de doigts… Les fous, vêtus de simples robes d’hôpital blanches, entrent en scène en rampant sous des draps blancs. La ressemblance à des larves leur hôte leur humanité, ce qui insiste sur le fait qu’ils sont considérés comme de moins que rien. Giselle se différencie par le bandage qu’elle porte au front comme si elle avait reçu un gros coup. Cet élément costume rappelle la blessure psychologique qu’elle a subie.

Hilarion se rend à l’asile pour tenter, en vain, de rendre la raison à sa fiancée. Certainement pris de remord, Albrecht rend à son tour visite a Giselle. La nuit qu’il passe à l’asile l’ouvre a une autre vie : l’harmonie avec la nature et la vanité des choses matérielles. Il retourne sur l’île volcanique du premier acte entièrement nu, comme pour retourner à la pureté primitive après avoir vidé son esprit. On peut aussi penser que le séjour passé à l’asile auprès de Giselle l’a lui aussi rendu fou.

J’ai trouvé la chorégraphie de Mats EK touchante et juste : l’amour émanait du personnage de Giselle et les fous du deuxième acte entraînaient presque le spectateur dans leur folie. Pour ceux qui n’ont pas eu la possibilité de voir ce spectacle, je conseille la vidéo suivante. Il s’agit de la rencontre entre Giselle et Albrecht, au début du premier acte. Contrairement à la représentation en direct, cette vidéo permet de voir l’expression des visages des danseurs.

http://www.opera-lyon.com/programme-en-ligne/indexsans.php?page=40

J’attends vos avis avec impatience !

Julia Pflimlin

 

Le spectacle Confusion de Alan Ayckbourn et mis en scene par le Stage Club de Singapour se compose en 4 actes independants.
Les actes se deroulent en Angleterre dans les annees 70. Ils denoncent chacun a leur tour un defaut de l'humain et de la societe tout en gardant une visee comique.

Le premier acte represente une femme au foyer qui plus ou moins sombre dans la folie car elle traite ses voisins comme ses propres enfants leur offrant du jus d'orange et des petits gateaux tout en empechant le couple de se disputer. Le decors est simple: deux bancs une table et des jouets eparpilles. Dans cet acte sont denonce la solitude d'une mere : son mari n'est plus revenu depuis longtemps (on connait alors son histoire dans l'acte d'apres), de plus elle n'est pas sortie depuis plusieurs jours comme le disent ses voisins. Elle n'a donc plus aucune relation sociale avec des adultes d'ou pourquoi elle traite ses voisins comme ses enfants. Kerry Maxwell (la mere) montre bien le contraste entre sa vie seule et ses voisins qui travaillent par son attitude qui ne change pas tout au long de l'acte mais notamment son vetement : elle est en robe de chambre alors que sa voisine est habillee en longue robe.



Le second acte joue la vie du mari de Kerry Maxwell (la mere) qui est en voyage d'affaire. On rencontre ici le personnage lui aussi seul mais voulant absolument une femme pour la soiree. C'est a travers des illusions erotiques et vulgaire qu'il essaye d'attirer deux filles dans sa chambre. On se situe alors dans un bar de reception d'hotel avec une serveuse aggacee et des verres qui ne cessent d'etre remplis. Le jeu du mari reste comique a travers sa vulgarite mais aussi le refus des demoiselles a chaque proposition. On remarque sur leur visages les traits de l'aggacement et de l'enervement. Il ira jusqu'a leur forcer sa clef de chambre dans leur poche mais celle-ci sera finalement prise par la serveuse: c'est en effet une chute interessante. Cet alors, la tromperie des hommes et la solitude de l'homme d'affaire qui sont denoncee.

Le troisieme acte met en scene deux couples dinant dans un restaurant. En l'occurance les deux couples se conaissant car le 1er mari (Mr Pearce) est le directeur du 2e mari (Martin). Le decors reste simple: deux tables de restaurant et une estrade pour le maitre d'hotel. Ce dinner ce finira mal car Martin va vite realiser que sa femme l'a trompe avec son directeur. On alors ici la naivete des hommes par Mr Pearce qui est au petit soin de sa femme et Martin qui va realiser qu'a la fin qu'il s'est fait tromper. On trouve ici un comique de situation. Ce que j'ai bien aime dans cet acte c'est comment le metteur en scene a fait pour faire parler les deux couples. En effet, lorsque la serveuse aller vers le 1er couple, c'est alors celui ci que l'on entendait parler et l'autre reste muet tout en jouant et inversement. J'ai trouver ca tres interessant et tres bien joue malgres la difficulte.

Le quatrieme acte reprend la femme de Mr Pearce, Mrs Pearce dans une course caritative. Dans cet acte se trouvent 5 acteurs qui malgres leurs lien a vouloir que la course se passent bien, ont chacun leurs problemes et ne sont ecoutes par personne. Cela montre que meme dans une comunote vibrante comme celle-ci, il y a toujours de la solitude. Que ce soit la serveuse qui est enceinte mais pas de son mari, Mrs Pearce a qui ils arrive toutes sorte de malheurs, le mari de la serveuse qui plonge dans l'ivresse ou encore l'organisateur qui essaye de faire une bonne action. Le decors montrait bien je trouve cette idee de brouillon des esprit, rien ne tenait en place et rien ne fonctionnait comme le micro ou le distributeur d'eau chaude.

En conclusion, cette piece permet l'identification de sa personne a un personnage car nous conaissons tous un homme trompe ou encore une femme vivant seule avec ses enfants. Malgres un jeu simple mele de comique de repetition et de situation mais aussi d'action, cette piece est tres comique et m'a fait beaucoup rire. Les situations etaient simples a comprendre et le fait qu'il n'y ai pas trop de personnage rendait cette comprehension encore plus simple. De plus, il etait tres interessant de chercher les liens entre les actes qui etaient parfois abstraits.



Anne.

BlackBird est une pièce écrite par le dramaturge écossais David Harrower, et qui fut représentée au DBS Arts Center (home of SRT) de Singapour du 12 Septembre au 9 Octobre 2010. La metteuse en scène fut Tracie Pang.

Cette pièce poignante inspirée de l’histoire vraie de Toby Studebaker, parle de deux ex amants, Una et Ray, qui se revoient après 15 ans d'oubli. Una est tombée par chance sur une photo d'un magazine qui lui a informée ou Ray se trouvait. On apprend que leur relation était contre la loi car Una n’avait que 12 ans lorsque elle et Ray (qui avait 40 ans a l’époque), on eut des rapports sexuels. Alors commence le fil des questions : Pourquoi Una est elle venue le voir ? Veut-elle se venger, avoir des réponses a ses questions, ou pour se réconcilier avec son passé ?

La distribution : Daniel Jenkins pour Ray et Emma Yong pour Una.

J’ai beaucoup aimé cette pièce, elle est magnifiquement écrite, de telle façon que l’on ne juge pas un des deux amants du style « c’était de sa faute ! » comme le fait la loi mais qu’on analyse les deux cotes de l’histoire pour conclure que l’attraction des deux personnes était mutuelle. Cela transforme une histoire qui, à la base, était choquante, en histoire d’amour impossible qui nous déchire en même temps qu’elle déchire les deux personnes concernées. J’ai été plus énervée à l’incompréhension des membres de la famille d’Una et des juges que de la relation entre Una et Ray, qui est sensée nous dégoûtée !

Cette pièce nous montre aussi à quel point une affaire pareille peut bouleverser des vies.

J’ai trouve le jeu des acteurs très satisfaisant, ils illustrent très bien les émotions que ressentent leurs personnages, de la compassion, de la confusion, du regret… le décor est aussi très beau et les acteurs savent s’en servir très bien. En résumé, si Blackbird a l’occasion d’être représentée dans vos théâtres, ne ratez pas cette occasion !

Camille Bou

Au moment de l'entracte de 20 minutes, on parle encore du merveilleux spectacle auquel nous venons d'assister. On échange nos opinions, on essaye de décrypter les images, et on met en relation ce que nous avons observé avec ce qu'on pourrait faire dans le cadre de notre option (une entrée rapide, qui en met plein les yeux, de la lumière au ras du sol..). Puis, nous pensons à ce qui nous attend en deuxième partie. On espère que la suite sera encore mieux. Dans les brochures distribuées, on nous parle de provocation politique et personnelle, d'une société aliénante, mais pourtant familière. Concept un peu complexe. On attend.

De retour dans la salle, on nous plonge, une fois de plus, dans le noir. Puis, surgit de nulle part, une voix masculine nous parle du cosmos, qu'il compare à la société humaine. Mélange de discours et de musique, composée elle-même de percussions, et d'instruments à corde qu'on aperçoit dans le fond de la scène. Plus que les yeux, l'ouïe est attiré. Puis, les 11 danseurs apparaissent. Musique et danse, élaborées par le chorégraphe, sont alors combinées, pour 40 minutes de pure plaisir.

Comme pour Uprising, plusieurs groupes se forment sur une même scène, laissant le regard du spectateur voyager entre les différents mouvements, et les différents déplacements. La musique répétitive et intense, installe un rythme où s'engage aussi bien le danseur que le spectateur, qui, au fil des pulsions musicales, se laisse transporter par la magie du spectacle. Des images, certes, s'insèrent dans la chorégraphie, qui font penser à des manifestations, lorsque les danseurs lèvent leurs poings, à des luttes entres des personnes, ou bien à une séparation de la société, caractérisée par la présence d'un danseur qui divise la scène en deux, par une ligne de sable blanc. Mais, comme je l'ai dit précédemment, Hofesh Shechter n'inscrit ces images que dans un but esthétique, pour laisser une grande imagination au spectateur.

Par ailleurs, les effets de lumière sont tout particulièrement intéressants. En effet, pendant une grande partie  de la représentation, les parterres de lumières étaient de forme géométrique : formes carrées ou rectangulaires. Cette idée de zone de lumière délimitée où s'installaient différents groupes de danseurs, rappelle le titre du spectacle "In your rooms". On peut alors en tirer diverses interprétations, mais je dirais que ces zones de lumière, qui n'apparaissent que pour de courts instants, dimilitent des pièces dans lesquelles il se passe quelque chose, à un moment donné, dans la société.

Enfin, pour revenir à l'aspect provocateur du système politique, évoqué dans les brochures, on aurait pu relever en exemple l'Allah à la fin de la représentation, qui, en fait, n'avait pas de but particulier, comme l'a dit Hofesh Shechter lors de la discussion avec le public, qui a suivi le spectacle. C'est juste une question d'esthétique, encore une fois. En revanche, ce qui est à relever, c'est le message écrit, diffusé au public sur une petite pancarte que tenait un danseur, où il y avait marqué "Don't follow leaders... Follow me !" (Ne suivez pas les leaders, suivez-moi !). En effet, on pourrait croire qu'il y a un but de provocation contre les partis politiques et les leaders, mais je suppose que ça rejoignait tout de même l'idée d'esthétique (ce spectacle n'avait pas pour but de faire de la propagande !)

En compensation avec Uprising, In your rooms est un superbe spectacle, plein de dynamisme et d'innovation artistique, qui submerge le spectateur d'originalité et de créativité. Hofesh Shechter s'inscrit alors comme étant une grand chorégraphe, qui promet de livrer des spectacles encore plus sensationnels dans les années à venir.

Fabiola.

 “One woman. Ten Courts of Hell. Judgement awaits.”
(“Une femme. Les Dix cours de l’Enfer. Le Jugement attend.”) 

Someday, Samsara est une piece de theatre ecrite par Bryan Tan, et mise en scene par Christina Sergeant. Elle fut represente au Play Den @ THE ARTS HOUSE du 8 au 12 Septembre 2010.

 Avant de vous parler de l’intrigue, un peu d'informations culturelles qui vous aidera a comprendre:

• D’une maniere moins juste mais plus simple, le Samsara est le cycle des vies, de renaissance en renaissance. Ce terme existe dans l’hindouisme, le bouddhisme, le jainisme, le sikhisme et des religions proches (mais nous allons nous focaliser sur le Samsara dans le bouddhisme chinois car c’est la religion mentionnée dans la piece).
• Dans le bouddhisme chinois, une personne entre dans le Samsara (ou roue de réincarnation) une fois qu'elle est punie pour ses pechés au Dix cours de l'Enfer. Elle se réincarnera en animal ou en humain dépendant de sa vie passé, et aura une vie plus ou moins agréable ou souffrante. Cependant,  si la personne n'a point pêché tout au long de sa vie (et donc n'a aucuns châtiments), elle accède au Pont en Or qui l'amène au Paradis (ou Nirvana) et échappe au Samsara. Le sort est de même pour une personne dont les bonnes actions excèdent ses pêchés (sauf qu'elles prennent le Pont en Argent).
• Voici un tableau avec des informations sur les Dix cours de l'Enfer (les différentes étapes et les différents chatiments):

Numéro de la cour	Crimes et châtiments
1	Les personnes sont jugées pour leurs pêchés, si la personne n'a point pêché tout au long de sa vie (et donc n'a aucuns châtiments), elle accède au Pont en Or qui l'amène au Paradis (ou Nirvana) et échappe au Samsara. Le sort est de même pour une personne dont les bonnes actions excèdent ses pêchés (sauf qu'elles prennent le Pont en Argent). Les personnes ayant pêchés doivent se repentir devant le miroir de la rétribution avant de parcourir les autres cours de l'Enfer.
2	v Prostitués à Noyées dans une piscine de sang v Corruption/ vol et personnes qui joue au jeu d’argent (gambling) à glacé dans le la glace. v Pour avoir fait du mal physiquement/ voleurs à Jeté dans de lave d’un volcan
3	v Ingratitude/ manque de respect envers les personnes âgées/pour s’être évadé de prison à cœur arraché et coupé v Addict ou trafiqueurs de drogues/Pilleurs de tombes/Pour avoir forcer quelqu'un a commettre un crime à La personne est attachée a une barre en fer très chaude et est grillée
4	v Personne refusant de payer le loyer ou les taxes/une fraude à Martelé par une marteau de pierre v Désobéissance aux aînés/manque de piéter filial à Ecrasé par un rock én
5	Personne ayant tenté de tuer quelqu'un pour son immobilier ou son argent/personne prêtant de l’argent avec des taux d’intérêts exorbitants à jeté sur une colline de couteaux
6	Infidélité/pour avoir dit des jurons/Abduction à Jeté sur un arbre a couteaux v Pour avoir mal utilisé les livres/possession de matériel pornographique/Pour avoir enfreint des lois écrites/Pour avoir gâché de la nourriture à Le corps est scié en
7	v Pour les personnes inventant des rumeurs/Pour avoir crée des conflits entre des membres de la famille à La langue est arrachée de la bouche v Les violeurs/pour avoir conduit quelqu’un à leur mort à Jeté dans un bain d’huile en ébullition
8	v Pour le manque d’obéissance filiale/Pour avoir cause de l’ennui a nos parents ou autres membres de la famille/ Pour avoir triché pendant des contrôles à Les intestins et les organes sont retiré violemment v Pour avoir fait du mal aux autres à son profità le corps est démembré
9	v Pour les vols, les viols, les assassinats ou n’importe quel autres comportements illégaux à la tête et les bras sont coupés v Pour avoir négligé les plus jeunes et les plus vieux à Ecrasé sous des rochers
10	Le jugement final est rendu et chaque personne est amener au pavillon de l’oubli. La vieille femme Meng Po donne du the aux personnes qui leur fait oublier leur vie passée. Puis elles entrent dans le Samsara ou la roué de la réincarnation. Elles se réincarneront en animal ou en humain dépendant de leur vie passé, et auront une vie plus ou moins agréable ou souffrante.

 



























































Maintenant que vous savez tous cela, voici l'intrigue de Someday, Samsara:
La piece commence avec les deux guardiens de l'enfer, un a la tete de taureau et un a la tete de cheval, qui nous accueille en enfer. Puis arrive une Vielle dame Anglaise avec une valise que nous insinuons decedees. Elle va se faire juger pour ses peches par les juges des Dix courts de l'Enfer, qui n'ont pas l'air de l'effrayer. Avec notre progression dans la piece, nous constatons qu'en verite, son cauchemar, c'est son passe.

Cette pièce ne m'a pas plu pour multiples raisons. Premièrement, l’intrigue est assez complique, et lors des retours en arrières, je devenais souvent confuse et perdue car la femme Anglaise changeait de rôle : tantôt elle était sa mère, tantôt son mari. Elle gardait le même ton de voix et le même jeu que son rôle principal, ce qui ne rendait pas la distinction facile et donc rendait les flashbacks incompréhensibles. Deuxièmement, l’acoustique de la pièce était décevant, car lorsqu’il y avait de la musique, je n’entendais plus parler la vieille femme (la musique était plus forte que ses paroles). Troisièmement, on perdait le fil du temps et c’était seulement quand la femme disait le numéro de la cour de l’Enfer que l’on s’y retrouvait. Enfin, je trouve que le rôle du gardien à la tête de cheval, qui revenait fréquemment pour parler avec la femme Anglaise, était inutile à la compréhension de la pièce. Cependant, j’ai trouvé que les parties ou la femme se faisait punir était bien représentées

En résumé, je n’ai pas apprécié Someday, Samsara car j’ai trouve la pièce dans son intégralité difficile a comprendre. Si vous n’aviez pas eu la chance de la voir, ne vous inquietez pas.

Camille Bou

          


             11 and 12 est issue de l’ouvrage Tierno Bokar, écrit par l’écrivain africain Amadou Hampaté Bâ et adapté par Marie-Hélène Estienne. Cette pièce, mise en scène par Peter Brook et jouée au Drama Centre Theater à Singapour puis dans le reste du monde, relate des conflits entre différents peuples de l’Afrique de l’Est, pendant l’occupation française. La famille, le comportement de l’homme en société, les relations politiques, la religion sont les thèmes omniprésents de la pièce et suscitent de nombreux débats, d’affrontements.

          La prière doit-elle être récitée 11 ou 12 fois ? Ce questionnement, pourtant d’apparence anodine,  provoque alors de grandes tensions entre les ethnies en présences et les Français, qui se mêlent à leur culture. Deux hommes se détachent de ces personnages, Tierno Bokar et Cherif Hamallah, et délibèrent sur le sujet, tout en mettant en avant la nécessité de tolérer. Selon eux, la tolérance est la plus difficile et la plus importante des qualités de l’être humain. Mais suite aux incompréhensions des peuples, des marques de violences s’en suivent. Au milieu d’elles, des adolescents, dont Amadou Hampaté Bâ qui narre l’histoire. Ces jeunes gens grandissent et finalement deviennent adultes après que certains aient reçu une éducation européenne. Ils se rendent mieux comptent de la situation qui les entoure, mais ne savent pas réellement comment la gérer.

 

 

          Peter Brook réussi à faire réfléchir le spectateur et à diffuser des idées complexes d’une façon la plus simple possible : toile et tapis rouges signifiants à la fois l’ocre de la terre d’Afrique et la violence, du bois çà et là… Finalement, c’est bien le jeu des comédiens à travers ce décor simple qui donne toute la dimension de la pièce. A aucun moment le spectateur sent l’ennui le gagner, puisque dès le début la performance il est submergé par l’intrigue.

                C’est ce qui constitue la force de la pièce et sa mise en scène : elle a un impact sur le public sans être prétentieuse pour autant.

Notes en tant que spectatrice…

 

• De l’intérêt d’être au premier rang :

 

On pourrait penser que les places les plus proches de la scènes ne sont pas les meilleures : manque de visibilité sur l’ensemble de la scène, des décors, ou encore recevoir les postillons…

Cependant, ces places offrent plusieurs avantages ! En effet, plus le spectateur est proche de la scène, plus il ressent le caractère des personnages, les expressions du visage sont plus évidentes. Il est submergé par la pièce et en prend plein les yeux. Enfin, il est possible de capter le regard des comédiens, et dès qu’on le tient, là on se sent vraiment dans la pièce et on rentre dans leur jeu.

 

• De l’intérêt  de ne pas trouver tout de suite un taxi :

 

Une fois la pièce terminée, ne vous précipitez pas vers le stand de taxi ! Prenez le temps… Et peut-être aurez vous la chance de croiser les acteurs !!

En effet, nous avons eu la chance, Clémentine K. et Fabiola A. de discuter avec quelques acteurs (dont deux parlant français) : Antonio Gil Martinez, Maximilien Seweryn, Jared McNeill, et Makram J. Khoury. Après une semaine passée à Singapour, ils partent à la fin de la semaine pour Sydney avant de se diriger vers le reste de l’Asie.

 

Mais la prochaine fois, nous penserons à apporter appareil photo et stylo…
 

Clara.a

 

La scène avertit déjà le spectateur, à son entrée dans la salle, de l’absence de surprise et d’étonnement : pas de rideau, juste un élément du décor cachant partiellement le reste, et exhibant en grandes

 lettres La Bohème, comme si l’on n’était pas au courant que l’on venait à l’Esplanade de Singapour en ce mois de Février écouter cet opéra italien en quatre tableaux de Puccini, dirigé par Andrew Sinclair.

Au lever de cet élément du décor, accompagné de l’orchestre,  le reste de l’espace se dévoile et deux personnages apparaissent dans un milieu reflétant une vie d’artiste, l’insouciance. Il est agréable de voir ce décor, mais il est sans surprise et n’a rien d’extraordinaire. Il en est de même pour les costumes.

L’opéra commence.

Mais déjà on remarque que les chanteurs et chanteuses, pourtant issus de l’Opéra Lyrique de Singapour, ont des voix qui ne portent pas : on se demande si ceux du dernier balcon assiste au spectacle en version mute… La déception ne fait que croître car les airs sont très mélodieux et plaisants à entendre. Et pour ce qui est du jeu… L’histoire parle d’amour, de passion entre un homme peu fortuné (Rodolfo) et une femme (Mimi), détruite peu à peu par la maladie. Cependant, les seules preuves d’amour dans le jeu de ces acteurs sont les mains : ils se tiennent les mains et ils sont amoureux. Pas de grandes étreintes, ni de caresses, ni de baisers. C’est ennuyeux, le spectateur ne se sent pas immergé dans l’intrigue. 

Beauty and the Beast est une production de « W!ld Rice » qui reprend le conte classique de La Belle et La Bête tout en lui ajoutant une tournure moderne. Cette comédie musicale a été représentée  au Drama Centre Theatre du 23 novembre au 19 décembre. L’actrice principale, Emma Yong, a déjà prouvé son talent dans de nombreux spectacles, comme « No regrets, a tribute to Edit Piaf » en mars 2007. La musique est intégralement écrite par Elaine Chan.

Avant le commencement de la pièce, une rose stylisée est projetée sur le rideau. Symbole de ce célèbre conte, la rose reste présente tout au long de la pièce. Elle apparaît de temps à autres sur un écran lors de la perte des ses pétales, représentation du temps qui s’écoule inéxorablement.

Le début de la représentation implique tout de suite le public dans le spectacle. En effet, le premier personnage fait son entrée à travers les sièges du public et installe un dialogue avec lui.

Le décor principal est constitué de murs grisâtres en relief de part et d’autre de la scène, qui peuvent rappeler les parois rocheuses d’une grotte et leur conférer une atmosphère mystérieuse. Les acteurs ouvrent la paroi coté jardin pour représenter la maison de la belle : un mur décoré de deux  petites fenêtres, stéréotype de la maison de poupée. Le manoir de la bête est représenté  par un arrière-plan d’escaliers suggérant son immensité. Un vitrail en forme de rose (ce symbole est omniprésent!) et une table sont ajoutés pour la salle à manger.

Le maquillage des acteurs est inspiré de l’opéra chinois : fond de teint blanc, richesse de couleurs, remodelage du visage… (Voire les photos de la sortie de l’option théâtre au théâtre chinois de rue). Les costumes sont aussi exubérants que le maquillage par leur taille et leur couleur. Il est pourtant difficile d’oublier l’image des costumes du dessin animé de Walt Disney qui présente beaucoup de similitudes avec ceux du spectacle. Serait-ce une source d’inspiration ?

Les robes à volière des deux sœurs créent un aspect comique lorsqu’elles sautent ou font des mouvement d’avant en arrière. De même, le père joue avec son ventre proéminant en le faisant rebondir de façon répétitive.

Les deux sœurs sont une parodie de la société de consommation qu’est Singapour. Elles demandent sans arrêt des cadeaux à leur père, lui donnent des listes démesurées qui trainent sur le sol. Toutes deux répètent d’ailleurs à plusieurs reprises « Very expensive ! » en faisant exactement le même geste, ce qui engendre un fort comique de répétition.

Les bruitages et les jeux de lumière illustrent les émotions des personnages. Par exemple, un instant de stupeur est marqué par un éclair de lumière et un arrêt sur image avec une exagération des expressions du visage ou un bruit de vaisselle qui se casse pour une crise de rage. Aussi, de nombreuses actions sont mises en valeur par un bruitage correspondant, comme un bruit de ressort pour un bond. Ces bruitages rappellent ceux de dessins animés, ce qui donne au conte un touche de modernité.

En parlant de modernité, on retrouve dans certaines chansons du spectacle des clins d’œil à d’autres chansons contemporaines comme « Dancing Queen » de ABBA, « Mercy » de Duffy, ou encore « Bad » de Michael Jackson. La scène de combat finale est elle aussi modernisée par la musique de « Mission Impossible ».

En plus du maquillage, l’opéra chinois influence aussi une des scènes : une douzaine de très jeunes acteurs dansent avec des longs rubans et font tourner des assiettes sur des bâtons, accompagnés par une musique très chinoise. Cette scène est, elle aussi, un clin d’œil au public majoritairement asiatique…Dans cette scène, le déplacement du groupe des quelques acteurs principaux, fluide et coordonné, est particulièrement bien réussit.

Ce spectacle m’a beaucoup fait rire, en particulier les allusions à la vie quotidienne Singapourienne. Les costumes sont magnifiques, quoique peut-être trop caricaturaux des contes de fées. Pour finir, on peut dire que c’est une représentation fraiche et actuelle d’un conte classique.

 Julia Pflimlin

 

      

      Jeudi 8 octobre a eu lieu la représentation du "Hossan Leong Show". Hossan Leong est un acteur singapourien très connu ici; il a joué dans énormément de pièces de théâtre, comédies musicales, et quelques téléfilms. Le “Hossan Leong Show” a lieu tous les ans depuis 2003.

       Le “Hossan Leong Show” est une parodie des programmes télévisés d’aujourd’hui. Le spectacle commence en musique : les 4 acteurs interprètent une chanson chorégraphiée dont le message est, en résumé : “Vous en avez marre de la télé ? Branchez vous sur le Hossan Leong Show pour vous changer les idées !”. Au cours du spectacle, Hossan, assisté de Chua Enlai, Celine Rosa Tan, et Karen Tan, trois acteurs professionnels singapouriens, imiteront donc plusieurs émissions américaines (Jay Leno, Ellen DeGeneres, Martha Stewart, David Letterman, etc.) en y rajoutant bien sûr leur touche personnelle. Au programme :

-Les “10 signes qui montrent que Singapour résiste à la crise financière”
-Les 10 prénoms les plus moches donnés aux enfants
-L’émission de cuisine peranakan
-Un duel de chansons entre Mariah « Scarey » (Chua Enlai) et Whitney « U-turn » (Hossan Leong)
-L’interview d’une spécialiste de Mas Selamat
-Le “relooking” complet d’une personne du public.
(Il y avait encore d’autres choses mais j’en ai malheuresement oublié beaucoup, le spectacle était vraiment très rempli, il aurait fallu prendre des notes !).

      Le spectacle est également ponctué par des monologues autobiographiques de Hossan Leong. Il dit quelques phrases des phrases en chinois, agrémente toutes ses phrases de « Lah ! », utilise des expressions « singlish », interpelle le public, au grand bonheur de celui-ci.
      Le thème principal du spectacle était sans aucun doute la crise économique. Avant d’entrer dans la salle, des “goody bags” sont offerts avec des tubes de dentifrice blanchissant, des bons de réduction pour Urban Outfitters, des publicités, des sachets de thé… De plus, tout au long du show, les sponsors sont mentionnés trés souvent et Hossan Leong descend de scène pour offrir des bouteilles de vin, des habits, une bouteille de bain de bouche, et même une machine à glace. Personnellement, cela ne m’a pas dérangée mais plutôt amusée, dans le sens où c’était vraiment exagéré. Cependant certaines personnes ont étés déçues par cet aspect commercial qui n’était pas présent les années précédents.
      La critique de Singapour (la censure, le gouvernement) est également omniprésente. Elle reste légère pendant tout le spectacle; mais le show finit par une satire du “Singaporean pledge” assez forte, qu’Hossan Leong récite, la main sur le coeur, avant de saluer.

       Le public était très receptif. L’énergie des acteurs était palpable; il n’y avait pas un seul instant où le spectacle “retombait”.

       Le décor est celui d’une émission de télévisée normale. Sur le côté gauche, en biais, une station de DJ : en effet, le spectacle est accompagné par beaucoup de musique. Suivant le thème de l’ « émission » présentée, le personnels apporte des décors sur roulettes (par exemple, une cuisine toute équipée pour l’émission de cuisine). Les lumières ont aussi un rôle important, surtout pendant les chansons.

      Pour finire, les critiques du show sont très positives, comme pour toutes les pièces de Hossan Leong. Personnelement, je trouve Hossan Leong génial depuis longtemps déja, et je n'ai pas été déçue par le spectacle ! J'aurais tout de même une critique : lorsque les acteurs improvisaient, cela ce remarquait vraiment par rapport aux parties répétées. Cependant, les parties vraiment improvisées ont étés très rares, donc cela n'était pas dérangeant.
(Pour ce qui est du son, des lumières, etc., j'ai cherché partout sur Internet qui était en charge mais je n'ai rein trouvé, désolée)

Pour voir une vidéo de la chanson chantée au début du spectacle:  http://www.youtube.com/watch?v=Ai5V7pYGnHA