Matéï Visniec

Matéï Visniec est l'auteur de Le mot progrès dans la bouche de ma mère sonnait terriblement faux, l'une des pièces qui nous a intéressé avant le choix final du découpage du texte.

    

Petit rappel pour ceux qui peut-être ne l'ont pas encore lu: la pièce aborde le thème de la guerre, notre fil directeur cette année, sous l'angle de ses conséquences une fois même terminée. La pièce traite du retour dans leur village de parents dont le fils est mort, tué durant une guerre civile, dans un pays de l'Europe de l'est. Son corps est introuvable, disparu, et le fantôme du fils revient aider ses parents à lui donner une tombe. Toute la pièce est axée sur cette quête de la dépouille car la souffrance des parents comme celle du fantôme du fils ne peut s'effacer que par une sépulture où chacun pourra faire son deuil. Au-delà ce cette recherche lugubre, la pièce de Visniec est beaucoup moins sombre qu'elle n'en a l'air: vivre sur une terre d'où les fantômes victimes des guerres prétendantes sortent et se mêlent aux vivants est une expérience souvent comique qui crée des situations décalées et absurde, écrite dans un style très particulier propre a Visniec, la pièce fait réfléchir sur la bêtise humaine qu'est la guerre tout en gardant une touche d'humour.

Né en 1956 dans la Roumanie communiste, Matéï Visniec découvre dès son adolescence un espace de liberté dans la littérature et l'écriture. Jeune encore, il lit Kafka, Dostoïevski, Camus, Beckett, Ionesco... Emprunté d'un grand intérêt pour des mouvements tels que le dadaïsme, le théâtre de l'absurde, le théâtre réaliste anglo-saxon, il rejette le réalisme soviétique qui l'entoure et étudie la philosophie à Bucarest.

Visniec est très actif dans les années 80 en Roumanie, partie prenante d'une génération qui bouleverse le visage littéraire du pays, il croit en une puissance du théâtre et en sa capacité à combattre efficacement le totalitarisme en dénonçant la manipulation de la société par ce qu'il appelle ''les grandes idées''.

Jusqu'à 1987 Visniec publie de nombreux poèmes qui lui valent une reconnaissance mitigée, ces pièces de théâtre sont quant à elles interdites à la représentation. Sa ''carrière internationale'' débute en 87, lorsqu'il est devient auteur interdit dans son propre pays et s'exile en France où il obtient l'asile politique. Dès lors il devient journaliste pour la BBC puis plus tard pour Radio France Internationale où il est chroniqueur dans le domaine des pays de l'est.

        L'histoire du communisme racontée aux malades mentaux

Après son passage à Cologne, il dirigera avec les dramaturges Dieter Sturm et Christoph Leimbacher, le Scaubühne de Berlin, célèbre théâtre, entre 1985 et 1987, relayant ainsi Peter Stein.
Ceci lui permit de rencontrer l'un des plus grands dramaturges contemporains allemands, Bothe Strauss.
Par la suite, il montera plusieurs pièces de ce dernier, tel que Le Temps et la chambre en 1989 et Viol en 2005 (qui soulève de vives polémiques auprès des critiques et du public).
En 1992, Luc Bondy connait un succès aussi bien en France (avec Terre étrangère au Théâtre des Amandiers) que dans tout l'Europe, avec la mise en scène de textes d’auteurs tels que Richard Strauss, Peter Handke, Shakespeare ou bien encore Yasmina Réza.
En Allemagne, il reçoit le Prix du théâtre pour Terre étrangère en 1984.

En 1995, Luc Bondy montera à l'opéra un grand classique, Les Noces de Figaro de Mozart, qui se révèlera un succès immédiat, et qui entrainera par la suite, le mise en scène des opéras de Strauss ainsi que ceux de Verdi.

Depuis 2001, Luc Bondy enseigne la mise en scène au Séminaire Max Reinhardt. En outre, il a publié La fête de l’instant (1999) chez Actes Sud, un ouvrage sur la mise en scène, et Ce que je suis pour vous chez Grasset.

Aujourd’hui, Luc Bondy est l’un des plus célèbres metteurs en scène du théâtre contemporain européen.

La Theorie du " theatre sans theatre":
Et il y a dans le théâtre de Luc Bondy une impression de présence/absence des acteurs, quelque chose d’éthéré qui les éloigne de la dure matérialité du réel et qui trouve un écho dans cette métaphore. Le metteur en scène dit ne pas aimer les excès au théâtre et affirme son désir de faire « un théâtre sans théâtre ». Ses personnages sont empreints d’une épaisseur sensuelle et volatile, la violence inquiète sourdement mais ne provoque pas, la vie transparaît dans des éclats lumineux et léger.

Principales pieces mises en scene au theatre:
Le Temps et la Chambre (1989)
Le Triomphe de l'Amour (1993)
John Gabriel Borkman (1993)
Terre Etrangere
Viol (2005)
Les Chaises
Phedre

  Et bien d'autres...
 

Joël Jouanneau est un auteur et metteur en scène français, né en 1946. Il commence dès 1984 à mettre en scène des pièces telles que Pierre pour mémoire d’Anne-Marie Roy et La Dédicace de Botho Strauss au Théâtre Gérard-Philipe. C’est ensuite à partir des années 1990 qu’il participe et contribue à de nombreuses organisations concernant le théâtre. En effet, il devient un membre très important du Théâtre de Startrouville-CDN de 1990 à 2003. Entre temps (de 1992 à 2000), il s’implique dans l’équipe pédagogique de l’école du Théâtre National de Strasbourg et c’est juste après cela qu’il se consacre à une carrière de professeur à Paris, au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique.

Joël Jouanneau travaille constamment avec les trois mêmes personnes, c’est-à-dire avec le scénographe Jacques Gabel, l’éclairagiste Franck Thévenon et enfin, Pablo Bergel le créateur de son. Mise à part son oeuvre Dernier rayon de 1998, toutes ses pièces ont été mises en scène et publiées par la maison d’édition Actes Sud-papiers. Il est la plupart du temps metteur en scène de ses propres textes et en a présenté quelques uns au célèbre Festival d’Avignon et au théâtre de la Bastille. Ainsi, non seulement il met en scène ses propres œuvres, mais il se consacre aussi à celles d’autres auteurs comme Robert Pinget, Samuel Beckett, Thomas Bernhard, Robert Walser, Jean-Luc Lagarce, Normand Chaurette, Yves Ravey, Jacques Serena, Spycher, Jacques Rebotier et bien d’autres encore.

Joël Jouanneau affirme d’ailleurs qu’il préfère mettre en scène les pièces d’autres auteurs que les siennes. Il parle en effet de « pudeur » lorsqu’il s’agit de ses pièces, et de dévoilement de sa personnalité tout en se dissimulant derrière les auteurs, lorsqu’il ne s’agit pas des siennes. Lorsqu’on lui demande ce qu’il pense de la mise en scène, il affirme être « un metteur en scène de l’écriture plus que des décors ». Par mise en scène de l’écriture, il entend le fait d’éclairer, grâce à la mise en scène, l’obscurité d’une page écrite à l’encre noir. Ainsi, pour lui, les mises en scène de l’écriture et des décors sont différentes mais complémentaires.

Dû au d’avoir été élevé dans un petit village du Loir-et-Cher, Joël Jouanneau aborde souvent, dans ses œuvres, le sujet de l’enfance. Il évoque ainsi « la perte de l’innocence et l’impossible passage à l’âge adulte ». Une remarque ambiguë, certes, mais il la justifie bien en disant que l’enfant est à la fois petit et grand. De ce fait, ses œuvres sont toutes « radicales ». En effet, elles concernent toutes un principe premier et fondamental, comme la jeunesse qui connait les premières mésaventures de la vie.

« Mes pièces parlent toutes du verbe être
et non du verbe avoir »

Oeuvres de Jean Jouanneau :

• L’Enfant cachée dans l’encrier
• Sous l’œil d’Œdipe
• Hydrogen Jukebox
• Dernier caprice
• Le Marin d’eau douce
• L’Inconsolé
• Mère et fils
• L’Ébloui
• L’Adoptée
• Yeul, le jeune
• Allegria-Opus 147
• Les Dingues de Knoxville
• Gauche uppercut
• Dernier rayon
• La Main bleue
• Dernier rayon
• Le Condor
• Le Marin perdu en mer, Gauche uppercut
• Mamie Ouate en Papôasie
• Kiki l’indien, comédie alpine
• Le Bourrichon, comédie rurale
• Nuit d’orage sur Gaza

Une scène clef de Phèdre :   www.youtube.com/watch

Son Style :
Il est très reconnu en Europe et est apprécié pour ses idées innovatrices dans la fantasmagorie, sa passion pour les émotions et la complexité humaine.

Chéreau joue avec le jeu et la direction des acteurs pour que leurs personnalités soient bien représentées et pour qu’ils soient plus intéressants. 

Réalisateur et Scénariste :

·               Le Temps du loup de Michael Haneke

Peter Brook

Né à Londres en 1925, il se distingue aujourd’hui dans différents genres : théâtre, opéra, cinéma et écriture. Il a également mis en scène de nombreux textes de Shakespeare, ce qui lui vaut son surnom de « Maître Shakespearien ».

D’abord étudiant à Oxford, il se lance à 20 ans dans la mise en scène et s’affirme déjà comme un « maître ».

Après son arrivée en France en 1970, il connaît un grand succès commercial qui lui vaut une renommée internationale.

Il fonde, avec  Micheline Rozan, à Paris en 1971, le Centre International de Recherche Théâtrale (CIRT) devenu, suite à l’ouverture du Théâtre des Bouffes du Nord, le Centre International de Créations Théâtrales (CICT).

 Directeur du Théâtre des Bouffes du Nord à partir de 1974 (jusqu’en 2009), il remporte le prix de Kyoto en 1991.

En 1985, il adapte Mahabharata, où il incarna, avec des comédiens d'une vingtaine de cultures différentes, la mythique légende indienne, à l'occasion d'une représentation à ciel ouvert en Avignon. Suivent La Tempête en 1990, L' Homme qui, ou comment explorer le cerveau humain de façon théâtrale, en 1993, et Hamlet en 2000.

Il est aujourd’hui très connu pour être le maître du théâtre Shakespearien, maître des Bouffes du Nord, pour ses nombreuses et célèbres mises en scène, ses films, et ses ouvrages théoriques dont fait partie L’espace vide (1968) ou comment le théâtre peut être délivré de l’inutile et des erreurs du passé.

Dans une simplicité étonnante, il a appris l'art de faire rayonner les acteurs, et de donner une importance une signification à chaque chose se trouvant sur scène. Ses spectacles ont tous été présentés un peu partout dans le monde.

Brook et la tragédie antique :

Brook a beaucoup abordé le théâtre antique une fois arrivé à Paris, même s’il a en grande majorité travaillé à partir d’œuvres shakespeariennes et d’autres formes de théâtre. Cependant, il voulait tout de même « pénétrer toutes les couches de la tragédie et les étudier en profondeur, à travers l’intensité sonore du texte ».

Selon lui : « pour retrouver la puissance d’expression de ces œuvres, il faut conserver le son du grec ancien », autrement dit garder le caractère athénien de la pièce.

« Il y a donc deux extrêmes, l’émotion tragique et l’intelligence de cet univers. Entre les deux, ce qui est décoratif –le chœur qui chante et qui danse, les masques–, tous cela ne m’intéresse pas »

Brook et le cinéma :

Il se destinait plus au cinéma qu’au théâtre quand il fit ses débuts.

Même s’il a réalisé une dizaine de films, il aurait cependant voulu en faire beaucoup plus. « Mais il y a toujours eu des obstacles ». Toujours ces problèmes de financement, et au final, certains films qui n’ont pas pu être produits jusqu’au bout ont été réécrit pour la scène. Car Brook ne désire pas faire des films à sujet commercial, d’où sa difficulté à trouver l’argent.

Mais il se rend bien compte qu’il possède « un don plus juste pour le théâtre que pour le cinéma ».

La théorie de L’espace vide :

"Je peux prendre n'importe quel espace vide et l'appeler une scène. Quelqu'un traverse cet espace vide pendant que quelqu'un d'autre l'observe, et c'est suffisant pour que l'acte théâtral soit amorcé".

Peter Brook se base sur ses rencontres passées, et expériences menées au cours de son travail. C'est de cette façon qu'il élabore son opinion.

Cette théorie, c’est sa conception de la scénographie : c’est en quelque sorte un retour à la source, à un dispositif plus simplifié, épuré. En créant Le Roi Lear en 1962, il décide de renoncer au décor pour travailler l’«espace vide». Ainsi le spectacle repose essentiellement sur le comédien, les mouvements de son corps. «Le théâtre immédiat» que revendique Peter Brook  comme le théâtre idéal consiste pour les artistes à remettre en question chaque jour les découvertes des répétitions précédentes, comme si la pièce leur échappait : ils doivent la redécouvrir de nouveau, ne jamais faire comme la fois précédente, toujours se surprendre.

Par ailleurs, Peter Brook souhaite que le théâtre soit très proche du public.
 

Principales mises en scènes au Théâtre :                                                                                   

Shakespeare :

Peine d’amour perdu (1946)

Mesure pour Mesure (1950)

Titus Andonicus (1955)

Le Roi Lear (1962)

Le Songe d’une nuit d’été (1970)

Timon d’Athènes (1974)

The Tragedie of Hamlet (2000)

D’autres auteurs :

La conférence des Oiseaux (1979)

La Cerisaie (1981)

Le Mahabharata (1985)

L’Homme qui (1993)

Je suis un phénomène (1998)

11 and 12 (2010) (cf. compte rendu de spectacle)


à l’opéra :                                                                                                     

Boris Godounov (1948)

La Tragédie de Carmen (1981)

Don Giovanni (1998)

Ses Films :

L’Opéra des gueux (1953)

Moderato Cantabile (1959)

Le Seigneur des mouches (1963)

Marat/Sade (1967)

Le Roi Lear (1969)

Rencontres avec des hommes remarquables (1976-1977)

Le Mahabharata (1990)

The Tragedy of Hamlet (2001)