On vient d'en parler ensemble lors de la séance de travail, je fais donc ici un listing non exhaustif des spectacles susceptibles de nous intéresser tous...
A voir ensemble (impératif) :
Giacomo Puccini - LA BOHÈME
Opéra du Singapore Lyric Opera
Dirigé par Andrew Sinclair.
Chanté en italien, surtitré en anglais et en chinois.
Soirée du vendredi 29 janvier 2010 (j'ai une place et il en reste, sinon vous avez jusqu'au 3 février).
Lieu : L'Esplanade.
Molière - L'AVARE
Stage Club
Mis en scène par Emmanuelle Le Bris
En français.
Soirée du jeudi 4 février 2010.
Lieu : Alliance française.
William Shakespeare - THE TEMPEST
The Bridge Project + SRT + The Esplanade
Mis en scène par Sam Mendes
En anglais
Du 2 au 10 avril 2010
Lieu : The Esplanade.
Ensuite, voici quelques spectacles auxquels vous pouvez aller... seul, avec les copains, avec d'autres théâtreux, ou en famille...
Haresh Sharma - MODEL CITIZENS
The Necessary Stage
Mis en scène par Alvin Tan
En anglais, chinois, malais surtitré en anglais.
Du 3 au 14 mars 2010.
Lieu : The Necessary Stage Black Box
Christopher Serger - TO KILL A MOCKINGBIRD
Singapore Repertory Theatre
Mis en scène par Goh Boon Teck
En anglais
Du 26 février au 14 mars 2010
Lieu : Drama Center, National Library
David Harrower - THE BLACKBIRD
Singapore Repertory Theatre
Mis en scène par...
En anglais
Du 6 au 20 mars 2010
Lieu : DBS Arts Center, Robertson Quay
Interdit au moins de 16 ans.
CHICAGO, the Musical
Le spectacle de Broadway
En anglais
Du 16 avril au 9 mai 2010
Lieu : The Esplanade
Faites de bonnes emplettes théâtrales. Et si vous trouvez un spectacle intéressant à voir, qu'il ne figure pas sur cette liste, n'hésitez pas à l'indiquer.
Olivier Massis.
theatrelfs
theatrelfs
Jeudi 7 janvier 2010 à 16:13
Mercredi 6 janvier 2010 à 14:27
L’Avare (1668) est une des pièces de Molière les plus connues. (Re)mettre en scène L’Avare, seconde pièce la plus jouée à la Comédie Française après Tartuffe, représente un défi considérable. Défi rélevé par Catherine Hiegel, la doyenne de la troupe, il y a quelques mois. Pour cela, Catherine Hiegel s’est appuyée sur des comédiens hors pair, un décor original et une mise en scène bien pensée. La distribution, donc, était irréprochable. Tous les comédiens se sont admirablement acquittés de leur rôle, bien qu’en ce qui concerne les rôles secondaires, il n’y ait eut aucune surprise quant à l’interprétation des personnages. Ils étaient tels qu’on se les aurait imaginés en lisant la pièce : Cléante en jeune homme naïf plein d’idéaux en rebellion contre son père, La Flèche en valet sournois et moqueur, etc.
Par contre, j’ai été très agréablement surprise (enfin, moyennement surprise, tout le monde en parlait) par le jeu de Denis Podalydès. Je n’avais jamais vu L’Avare sur scène, donc je n’avais jamais vu d’Harpagon non plus. Il n’en est pas moins que l’Harpagon que j’ai eu sous les yeux était excellentissime. Comme elle le dit elle-même, Catherine Hiegel a décidé d’apporter un regard neuf sur le personnage. Dans sa nouvelle mise en scène, le vieillard n’a rien d’un vieillard, excepté l’âge. C’est un Harpagon encore jeune dans sa tête, vif et malicieux, paranoïaque à l’excès et égoïste à souhait, follement épris de sa cassette (autant de qualités recquises pour faire un parfait avare). Il est absolument ridicule en train de renifler les deux revers des mains de son valet pour vérifier que celui-ci n’a pas volé son argent ou dans sa tentative de séduire Mariane en lui toussant allégrement dessus, et presque touchant dans sa joie puérile d’avoir retrouvé sa cassette. C’est un Harpagon jeune dans son corps également, courant, bondissant partout, criant, bref, un vieillard en pleine forme. D’après le metteur en scène, « Harpagon court, rit, danse. Il fête son argent ! ». Denis Podalydès était comme je l’ai dit génialissime, et même si je ne vais pas m’étendre en éloges, sa prestation m’a beaucoup marquée. C’est lui qui a porté sur ses petites épaules de vieillard cruel et dynamique toute la pièce.
Le décor était lui assez innovant puisque la pièce s’est entièrement déroulée sur le palier du grand escalier de pierre de la maison d’Harpagon. Les personnages entraient et disparaissaient par d’autres escaliers, plus petits, qui menaient à divers endroits de la maison. Côté cour, des fenêtres donnaient sur le « jardin » et permettaient ainsi à Harpagon de surveiller l’endroit où il avait enterré sa cassette. Il n’y avait donc pas besoin de meubles, et j’ai trouvé que c’était une très bonne idée de dégager la scène de cette façon.
La mise en scène était très dynamique, surtout en ce qui concerne le personnage principal qui n’a cessé de courir partout. La surprise de la pièce (enfin là encore, ce n’était pas vraiment une surprise) a été quand Denis Podalydès est venu dans la salle, sautant avec agilité de siège en siège, à la recherche du voleur de sa cassette adorée. Bien qu’Harpagon ne s’adressait pas directement au public, il a eut un petit moment d’interaction entre celui-ci et le comédien. Puis Harpagon est retourné sur scène et la pièce a continué.
La pièce s’est terminée sur une petite chorégraphie et une pluie de fausses pièces d’or en confettis, ambiance spectacle pour enfants, qui fait qu’on sort avec le sourire.
En conclusion, j’ai beaucoup aimé le jeu de Denis Podalydès et le dynamisme de la pièce. J’ai moins aimé que certains comédiens ne parlent pas assez fort, dans ces moments-là on a juste envie de passer à la scène suivante. Même si ça n’est pas vraiment propre à la mise en scène de Catherine Hiegel, j’ai trouvé ça vraiment dommage, surtout pour un spectacle de la Comédie Française.
Je suis néanmoins sortie de la salle très impressionnée par l’ensemble de la pièce.
Je suis néanmoins sortie de la salle très impressionnée par l’ensemble de la pièce.
(C’est malheureusement le dernier spectacle que Catherine Hiegel monte à la Comédie Française, la doyenne de la troupe ayant été « poussée » à prendre une retraite prematurée.)
Claire S.
Lundi 21 décembre 2009 à 13:44
Beauty and the Beast est une production de « W!ld Rice » qui reprend le conte classique de La Belle et La Bête tout en lui ajoutant une tournure moderne. Cette comédie musicale a été représentée au Drama Centre Theatre du 23 novembre au 19 décembre. L’actrice principale, Emma Yong, a déjà prouvé son talent dans de nombreux spectacles, comme « No regrets, a tribute to Edit Piaf » en mars 2007. La musique est intégralement écrite par Elaine Chan.
Avant le commencement de la pièce, une rose stylisée est projetée sur le rideau. Symbole de ce célèbre conte, la rose reste présente tout au long de la pièce. Elle apparaît de temps à autres sur un écran lors de la perte des ses pétales, représentation du temps qui s’écoule inéxorablement.
Le début de la représentation implique tout de suite le public dans le spectacle. En effet, le premier personnage fait son entrée à travers les sièges du public et installe un dialogue avec lui.
Le décor principal est constitué de murs grisâtres en relief de part et d’autre de la scène, qui peuvent rappeler les parois rocheuses d’une grotte et leur conférer une atmosphère mystérieuse. Les acteurs ouvrent la paroi coté jardin pour représenter la maison de la belle : un mur décoré de deux petites fenêtres, stéréotype de la maison de poupée. Le manoir de la bête est représenté par un arrière-plan d’escaliers suggérant son immensité. Un vitrail en forme de rose (ce symbole est omniprésent!) et une table sont ajoutés pour la salle à manger.
Le maquillage des acteurs est inspiré de l’opéra chinois : fond de teint blanc, richesse de couleurs, remodelage du visage… (Voire les photos de la sortie de l’option théâtre au théâtre chinois de rue). Les costumes sont aussi exubérants que le maquillage par leur taille et leur couleur. Il est pourtant difficile d’oublier l’image des costumes du dessin animé de Walt Disney qui présente beaucoup de similitudes avec ceux du spectacle. Serait-ce une source d’inspiration ?
Les robes à volière des deux sœurs créent un aspect comique lorsqu’elles sautent ou font des mouvement d’avant en arrière. De même, le père joue avec son ventre proéminant en le faisant rebondir de façon répétitive.
Les deux sœurs sont une parodie de la société de consommation qu’est Singapour. Elles demandent sans arrêt des cadeaux à leur père, lui donnent des listes démesurées qui trainent sur le sol. Toutes deux répètent d’ailleurs à plusieurs reprises « Very expensive ! » en faisant exactement le même geste, ce qui engendre un fort comique de répétition.
Les bruitages et les jeux de lumière illustrent les émotions des personnages. Par exemple, un instant de stupeur est marqué par un éclair de lumière et un arrêt sur image avec une exagération des expressions du visage ou un bruit de vaisselle qui se casse pour une crise de rage. Aussi, de nombreuses actions sont mises en valeur par un bruitage correspondant, comme un bruit de ressort pour un bond. Ces bruitages rappellent ceux de dessins animés, ce qui donne au conte un touche de modernité.
En parlant de modernité, on retrouve dans certaines chansons du spectacle des clins d’œil à d’autres chansons contemporaines comme « Dancing Queen » de ABBA, « Mercy » de Duffy, ou encore « Bad » de Michael Jackson. La scène de combat finale est elle aussi modernisée par la musique de « Mission Impossible ».
En plus du maquillage, l’opéra chinois influence aussi une des scènes : une douzaine de très jeunes acteurs dansent avec des longs rubans et font tourner des assiettes sur des bâtons, accompagnés par une musique très chinoise. Cette scène est, elle aussi, un clin d’œil au public majoritairement asiatique…Dans cette scène, le déplacement du groupe des quelques acteurs principaux, fluide et coordonné, est particulièrement bien réussit.
Ce spectacle m’a beaucoup fait rire, en particulier les allusions à la vie quotidienne Singapourienne. Les costumes sont magnifiques, quoique peut-être trop caricaturaux des contes de fées. Pour finir, on peut dire que c’est une représentation fraiche et actuelle d’un conte classique.
Julia Pflimlin
Dimanche 13 décembre 2009 à 4:51
Compte rendu de la séance du Jeudi 03 décembre 2009
La séance a été partagée en deux parties. Nous avons commencés par les exercices d’échauffements puis nous avons continué avec les ateliers sur le travail de nos personnages.
Tout d’abord nous nous sommes échauffés grâce à des exercices. Le premier exercice proposé nous faisait travailler sur notre regard. Nous devions être tous sur scène et marcher d’une façon neutre en occupant l’espace le plus possible. Un d’entre de nous devait s’arrêter et fixer une des personnes qui marchait. Il ne doit y avoir qu’une seule personne à l’arrêt à chaque fois. Pour le second exercice, nous devions nous concentrer sur l’occupation de l’espace des autres. Nous occupions l’espace et Mr. Massis appelait un des élèves. Ce dernier devait s’arrêter et marcher a reculons. Pour le troisième et quatrième exercice, nous nous sommes mis par groupe. Tout d’abord nous avons du nous mettre par groupe de cinq. Quatre d’entre nous occupaient l’espace en se posant à un endroit et le dernier devait définir un parcours entre les quatre autres individus qu’il devait reproduire les yeux fermés. Avant de passer aux ateliers nous avions pour consignes de nous mettre par groupe de six et raconter une histoire grâce à quatre tableaux. Ces derniers étaient bien entendu muets et immobiles. Après cet exercice, Mr. Massis nous a reproché de créer une histoire à partir de tableaux successifs (comme l’accouchement ou le père Noel). Il aurait était possible de raconter une histoire où plusieurs années séparent deux tableaux.
Après ces exercices nous nous sommes mis en groupe pour travailler et faire évoluer la création de nos personnages dans la pièce. Ainsi nous avions plusieurs ateliers. Tout d’abord les salves, qui devaient mettre leur entrée au point. Les quatre groupes de slaves devaient représenter chacun leur tour une entrée et elle devait être parfaitement identique pou les quatre groupes. Ensuite, Mamie et Marion ont travaillé le déplacement de Mamie par sa petite fille qui considère sa grand-mère comme un fardeau à déplacer. Il y avait aussi le trio infernal (Fiona, Serge et Eva) qui travaillait sur la coordinance du regard de Serge sur Fiona et sur la gêne d’Eva par rapport à cela. Pour continuer, Henri travaillait son entrée seul alors que Lucie et Zita travaillaient dans la complicité de leurs rapprochements moraux et physiques. Pour finir, Anna, Rose et Gaston ont révisé leur texte. A la fin de la séance, nous avons vu le travaille fait par les autres.
En fin de séance, Mr. Massis a reporté la date du tournage du cours-métrage, certains ont montré leurs costumes et Julia a chanté le début de la chanson qu’elle devait apprendre.
Auxane Le Bris
Vendredi 11 décembre 2009 à 13:07
Ce jeudi là, nous avons du marcher a l'école maternelle [ avec un grand détour 
] car notre scène habituelle était utilisé pour la comédie musical.
Pour comencer nous nous sommes placés à l'exterieur sur la route pour faire des exercices d'échaufements. On devait bien se positionner et respirer avec le ventre, une position dont on devait être comfortable et capable de rester dans des heures. Seconde étape, compter tout haut jusqu'à douze et garder le même ton.
Lorsque la maternelle avait fini leur AES, on s'est instalé dans leur théâtre;
] car notre scène habituelle était utilisé pour la comédie musical. Pour comencer nous nous sommes placés à l'exterieur sur la route pour faire des exercices d'échaufements. On devait bien se positionner et respirer avec le ventre, une position dont on devait être comfortable et capable de rester dans des heures. Seconde étape, compter tout haut jusqu'à douze et garder le même ton.
Lorsque la maternelle avait fini leur AES, on s'est instalé dans leur théâtre;
Les slaves d'un côté avec Sophie faisaient des exercices de mirroirs et des meneurs avec leurs suiveurs. Cela nous a permis de mieux comprendre l'importance des gestes et de faire attention aux détails. Au débout cela n'était pas si facile mais notre concentration et mouvements se sont améliorés à la fin.
De l'autre côté, avec Oliver, les personages principales ont travaillés sur leurs textes, gestes, positions et entré.
A la fin, on s'est partagé notre travaille et Oliver nous a donné un petit discours : ce qui était bien [concentration] et ce qu'il faillait améliorer [utilisation de l'espace et savoir dire son text comme "un match de ping pong au accéléré"].
C'était tout pour cet épisode, au Jeudi prochain!
De l'autre côté, avec Oliver, les personages principales ont travaillés sur leurs textes, gestes, positions et entré.
A la fin, on s'est partagé notre travaille et Oliver nous a donné un petit discours : ce qui était bien [concentration] et ce qu'il faillait améliorer [utilisation de l'espace et savoir dire son text comme "un match de ping pong au accéléré"].
C'était tout pour cet épisode, au Jeudi prochain!
Julie J.
Dimanche 29 novembre 2009 à 15:19
Comme chaque jeudi, nous attendions M. Massis au CDI lorsque celui vint nous apprendre que l’heure de théorie est annulée jusqu'à nouvel ordre. Au grand bonheur des deux tiers d’entre nous, nous avons donc passé trois heures a l’amphithéâtre.
Premièrement tous ensemble, nous avons travaillé sur l’acceptation du touché et du regard des autres. En paires nous nous sommes de plus en plus rapprochés l’un de l’autre : poignée de main, mains sur les hanches ou sur la nuque ce qui a suscité des fous rires chez certains. Mais le pire restait à venir : caresses dans les cheveux et dans le dos ou encore massage des épaules. Les exercices basés sur le regard consistaient à une confrontation entre deux personnes. Nous devions alors montrer ou la joie de se rencontrer ou une haine profonde.
Ensuite, Mamie (Margaux) et Marion (Auxane) ont travaillé sur le plateau l’une de leur scène avec M. Massis pendant que les slaves retravaillés leurs entrées avec Sophie. Le reste de la troupe était divisé en petits groupes de travail de mise en scène et (toujours et encore) d’apprentissage des textes.
Conclusion de la scéance : encore du boulot sur l’acceptation du regard d’après M. Massis et rendez vous a l’amphitheatre des 3h30 jusqu'à nouvel ordre.
A Jeudi prochain !
Par Anne
Jeudi 26 novembre 2009 à 14:24
Sofaman
Sofaman est une pièce écrite par le Singapourien Haresh Sharma. Elle a été mise en scène par deux metteurs en scène : le Singapourien : Alvin Tan et la Russe Tatiana Frovola. Cette collaboration entre Singapouriens et Russes s’entend jusque dans la pièce et ses personnages. De plus trois des six acteurs étaient russes.
Sofaman est une succession de tableaux qui évoquent les thèmes forts de la vie comme l’amour ou l’handicap. La pièce est également une critique de la société de consommation.
Les thèmes présents dans la pièce sont l’amour, l’amitié, le lieu d’habitation, la surdité, la maternité, la religion et la réflexion à la fin d’une vie.
L’amour est partagé entre une Singapourienne et un expatrié russe. Toute leur histoire nous est présentée : depuis leur rencontre jusqu'à leur séparation. Lors de leur rencontre, ils sont très proches et leur amour et bonheur sont mis en avant. Quelques années après leur mariage, la Singapourienne veut découvrir le pays d’origine de son mari. Ce dernier refuse et menace de la quitter si elle part de Singapour. Elle ignore ses menaces et part s’installer en Russie où elle comble sa solitude par un engagement religieux.
Une amitié se crée entre une Singapourienne sourde et une Russe qui subit une fausse couche. La surdité de la Singapourienne n’est pas totale mais peu de mots sont compréhensibles. Ensemble, elles partagent leurs malheurs qui sont aussi grand pour l’une que pour l’autre. Lorsque la sourde tombe enceinte, elle décide de donner son bébé à son amie.
Le handicap physique est présenté par un homme âgé, assit sur un fauteuil roulant. Incapable de faire quoi-que-ce-soit, il compte sur son fils pour l’aider à se soigner et se nourrir. Mourant, il raconte des passages de sa vie qui l’on rendu heureux. A la fin de la pièce, il meurt et son fils se libère de ce devoir qu’il avait envers son père.
Dans Sofaman, on retrouve des critiques importantes de la société de consommation. Tout d’abord, la dépendance électronique est fortement critiquée. Nous le remarquons lorsque l’homme mourant joue à la PSP lorsque son fils le nourrit ou lorsque le Russe fait une déclaration d’amour a sa femme au téléphone. Ensuite, le shopping est une des critiques de Sofaman. Au début de la pièce tous les malheurs de la vie sont comblés par le shopping. Plus les personnages avancent dans la pièce, plus ils se détachent de ce besoin de faire du shopping. Leurs malheurs sont alors comblés par la religion, un enfant ou un rêve de liberté. Pour finir, la pièce est une critique du fast-food. Tous les personnages commandent par Internet ou téléphone leurs déjeuners qui arrivent dans des sacs plastiques. La critique de ce système de fast-food est très claire lorsque l’on voit ce que sort du sac plastique.
Le décor et les costumes étaient tres simples. Sur scène, on voyait quatre comptoirs derrière lesquels on y trouvait un personnage. L’homme mourant et son fils se trouvaient sur une estrade placée au fond de la scène. L’homme et son fils étaient habillés en blanc et les quatre autres personnages étaient en noir. Les accessoires étaient peu nombreux. Ils étaient pour la plupart des objets électroniques.
Dans Sofaman, un jeu de camera est présent. Dans toute la salle du théâtre se trouvaient de nombreuses cameras placées à des angles différents. De temps en temps, une camera filmait l’acteur qui parlait et cette image était projetée sur l’écran au fond de la scène. Ce dernier était place juste devant l’homme et son fils. '
Auxane Le Bris
Jeudi 26 novembre 2009 à 4:13
Voici les critères qui présideront à l'attribution d'une note sur votre bulletin.
Tout le monde partira de 10/20, et aura la possibilité de gagner des points (non d'en perdre).
Au regard d'un trimestre qui est passé très vite, durant lequel nous avons beaucoup picoré, rarement approfondi, vous verrez que les critères sont essentiellement sur l'investissement (montré et/ou perçu) lors des séances de théorie, comme de pratique.
1. Ponctualité / présence (sur 1.5 pt) : 0 - 0.5 - 1 - 1.5
Il s'agit de faire en sorte que le groupe soit toujours homogène, ensemble de façon à ce que notre travail puisse s'élaborer dans la continuité.
2. Implication / dynamique au sein du groupe (sur 3 pts) : 0 - 1 - 2 - 3
Il s'agit d'évaluation la façon dont vous faites participer le groupe de votre présence, de vos interventions, de vos propositions, de vos commentaires ; cela concerne surtout la vie du groupe en-dehors du plateau technique.
3. Travaux rendus (sur 1,5 pt) : 0 - 0.5 - 1 - 1.5
Il s'agit de voir si vous avez fait votre compte-rendu de séance, des compte-rendu de spectacles, des fiches metteurs en scène, auteurs, des présentations de spectacles qui ont lieu actuellement en France ou ailleurs.
Deux sites : www.theatre-contemporain.net et www.franceinter.fr/studiotheatre (podcast de l'émission de Laure Adler).
4. Ateliers de pratique (sur 4 pts) : 0 - 1 - 2 - 3 - 4
Il s'agit de voir comment vous vous êtes investis, les initiatives dont vous avez fait preuve, votre réactivité aux consignes données, votre volonté d'aboutir.
On se retrouve très vite pour la poursuite de notre travail.
Olivier Massis.
Tout le monde partira de 10/20, et aura la possibilité de gagner des points (non d'en perdre).
Au regard d'un trimestre qui est passé très vite, durant lequel nous avons beaucoup picoré, rarement approfondi, vous verrez que les critères sont essentiellement sur l'investissement (montré et/ou perçu) lors des séances de théorie, comme de pratique.
1. Ponctualité / présence (sur 1.5 pt) : 0 - 0.5 - 1 - 1.5
Il s'agit de faire en sorte que le groupe soit toujours homogène, ensemble de façon à ce que notre travail puisse s'élaborer dans la continuité.
2. Implication / dynamique au sein du groupe (sur 3 pts) : 0 - 1 - 2 - 3
Il s'agit d'évaluation la façon dont vous faites participer le groupe de votre présence, de vos interventions, de vos propositions, de vos commentaires ; cela concerne surtout la vie du groupe en-dehors du plateau technique.
3. Travaux rendus (sur 1,5 pt) : 0 - 0.5 - 1 - 1.5
Il s'agit de voir si vous avez fait votre compte-rendu de séance, des compte-rendu de spectacles, des fiches metteurs en scène, auteurs, des présentations de spectacles qui ont lieu actuellement en France ou ailleurs.
Deux sites : www.theatre-contemporain.net et www.franceinter.fr/studiotheatre (podcast de l'émission de Laure Adler).
4. Ateliers de pratique (sur 4 pts) : 0 - 1 - 2 - 3 - 4
Il s'agit de voir comment vous vous êtes investis, les initiatives dont vous avez fait preuve, votre réactivité aux consignes données, votre volonté d'aboutir.
On se retrouve très vite pour la poursuite de notre travail.
Olivier Massis.
Mardi 24 novembre 2009 à 3:51
Le jeudi 3 novembre, Michel Azama a rendu visite au groupe de l'option théatre.
Michel Azama est un écrivain français ne en 1947, mais aussi un dramaturge, comédien et anciennement directeur de la revue « Les cahiers de Prospero ». Il a fait des études de lettres modernes et de philosophie avant de se lancer dans l’écriture. Il est l’auteur de nombreuses œuvres comme Croisades (1989), Iphigénie ou le péché des dieux (1991), Aztèques (1991), et une anthologie du théâtre, certaines de ses œuvres ont été traduites en plus d’une douzaine de langues et il traduis lui-même ses textes en espagnol.
Michel Azama est un écrivain français ne en 1947, mais aussi un dramaturge, comédien et anciennement directeur de la revue « Les cahiers de Prospero ». Il a fait des études de lettres modernes et de philosophie avant de se lancer dans l’écriture. Il est l’auteur de nombreuses œuvres comme Croisades (1989), Iphigénie ou le péché des dieux (1991), Aztèques (1991), et une anthologie du théâtre, certaines de ses œuvres ont été traduites en plus d’une douzaine de langues et il traduis lui-même ses textes en espagnol.
Lors de sa visite au lycée, Michel Azama nous a surtout présenté et commenté plus en profondeur l’œuvre Iphigénie ou le péché des dieux, pièce qui a été jouée par l’option théâtre l’année dernière. Cette œuvre a été écrite sur commande (Jean-Claude Gal) ; « cela n’a pas été facile de commencer une pièce de cette envergure, sachant qu’il y a de nombreux auteurs brillants qui l’ont écrite avant », nous a expliqué M.Azama. Puis a ajoute qu’une fois l’angoisse de la page blanche passée, il a réussi à écrire la pièce sans trop de difficulté.
Dans un second temps, l’auteur de nous a parlé de ses œuvres en général, de Le Sas, pièce qu’il a écrite en compagnie de femmes prisonnières a Rennes, elles-mêmes rencontrées lors d’une animation d’un atelier théâtre. Cette pièce est un monologue qui raconte le passage d’une femme captive à une femme libre. De plus, Michel Azama, nous a parlé de ses façons variées d’écrire, de la façon dont il trouvait son inspiration : faits divers en général, réécritures (Iphigénie)…
Enfin, l’auteur a consacré le dernier quart d’heure a nous lire sa dernière pièce : Dissonances, qui n’a pas encore été publiée.
Pour finir, la visite de Michel Azama a été très enrichissante pour tous les élèves de l’option : d’une part les « anciens » ayant joué la pièce l’année dernière qui sont rentrés chez eux avec de riches informations complémentaires, et d’une autre part, les « nouveaux », qui ont découvert a travers Azama une nouvelle facette du théâtre.
Axelle L.d.A
Lundi 23 novembre 2009 à 10:47
On s’est tous retrouvés au CDI pour la séance de théorie, qu’on a vraiment faite cette fois. Les Secondes travailleront donc sur le théâtre dans l’Antiquité grecque ; les Premières sur le théâtre en Asie (Indonésie, Inde, Chine, Japon) ; et les Terminales sur la comédie, « de Molière à Josiane Balasko », puisque la pièce que nous allons représenter cette année est une comédie. C’est un travail qui durera toute l’année, et nous devions commencer à chercher une problématique pour nos sujets respectifs.
Nous nous sommes ensuite rendus à l’Amphithéâtre, où nous nous sommes divisés en deux : Julia, Chloé et moi pour travailler le début de notre première scène, et le reste du groupe pour faire une italienne. Notre exercice était le même que celui des Slaves et Romain la semaine dernière : ne pas parler, et s’arrêter de bouger dès que Julia, la Voix, commentait, tout en improvisant sur le début de notre scène. Nous devions montrer une attraction envers l’autre, et à la fois une répulsion. À la fin nous nous sommes rendu compte que :
-L’« arc éléctrique » du regard est extrêmement important !
-Il est difficile de ne pas s’enfermer en oubliant l’autre
-Il faut toujours être en réaction (même si ne rien faire en attendant de voire ce que va faire l’autre parait tentant)
Je ne sais pas comment s’est passé l’italienne mais j’espère que tout le monde savait bien son texte.
Ensuite, nous avons mis en place la scène de la photo. Cette partie là m’a plus car c’est la première fois qu’on faisait une scène tous ensemble. Dans cette scène, Henri doit essayer de convaincre tout le monde (sauf les slaves) de faire une photo ; les slaves, eux, veulent à tout prix être sur la photo. C’était très désordonné au début, mais finalement ça rendait plutôt bien !
Avant la fin, on a eu l’occasion pour la plupart de montrer et d’essayer nos costumes…Quand soudain il fut 6 heures et demi et le cours de Théâtre fut fini.
Clémentine K
Dimanche 22 novembre 2009 à 15:02
Étant donné que cette année, nous montons une pièce de Jean-Yves Picq et qu’en ce qui me concerne – mais je pense que c’est la même chose pour les autres – je ne sais rien sur son compte, j’ai décidé d’écrire un article le présentant. Je tiens quand même à préciser que c’est dur de trouver des informations sur lui, par là je veux dire autre chose que sa commune de naissance (Mulhouse, personne ne sait ou c’est).
Jean-Yves Picq est un dramaturge et metteur en scène français né en 1947, à Mulhouse donc. Il est l’auteur de près de trente pièces de théâtre, jouées un peu partout dans le monde : États-Unis, Afrique, Japon, Espagne, Royaume-Uni, Danemark, Pays-Bas, Danemark. Parallèlement, il a écrit des livrets sur l’art lyrique et sur la danse, livrets dont il fait régulièrement des lectures publiques.
Il faut savoir que Jean Yves Picq a eut un parcours peu banal. Après avoir passé un doctorat de Lettres, il monte sa propre compagnie théâtrale, le Théâtre de la Balance, dans les années 1970. Pendant ce temps-là, il rencontre un fidèle allié, Roger Planchon directeur du TNP (Théâtre National Populaire) de Villeurbanne, ayant succédé à, entre autres, Jean Vilar et Patrice Chéreau. Seulement, quelques années plus tard, en 1981 précisément, il décide de tout abandonner et après une courte formation, il devient ébéniste. Je n’irai pas jusqu’à dire que ce changement subit de carrière révèle la très forte volonté d’écriture de J.Y. Picq, comme le soutient le site, mais il est vrai que ça donne un aperçu de sa force de caractère. D’ailleurs, toutes les biographies s’accordent sur un point : Jean-Yves Picq est un homme « très en verve ».
Il a travaillé, tout au long de sa carrière, au Théâtre du Vieux Givors, aux Ateliers, à l'Attroupement, aux Trois-Huit et à l'Équipe de Création théâtrale de Chantal Morel. Nombre de ses pièces ont vu le jour grâce à des bourses, et certaines ont été écrites grâce au soutien du Ministère de la Culture – ironie du sort, c’est de ce ministère dont il fera par la suite le blâme.
A travers ses œuvres, Jean Yves Picq essaie de faire passer des messages. Explicitement, parce qu’il pense que le théâtre est la pour ca, aussi : transmettre, faire partager un avis. Dans une interview accordée en janvier 1996 au site Archives 1996, il explique la raison de l’écriture du Conte de la neige noire (1995) : c’est d’après lui un rappel nécessaire de l’état désespérant du monde, un monde dont l’économie va mal, dont la jeunesse va mal. Tout cela explique pourquoi il alloue au théâtre une place importante. D’après lui, le travail de l’auteur, du metteur en scène, des comédiens et du spectateur ont une place équivalente dans la représentation : les uns créent une « matière », et les autres, en réaction, une « émotion ». C’est grâce à ce processus que le théâtre est toujours d’actualité : il provoque des interrogations, des débats chez les spectateurs. Pour Jean-Yves Picq, c’est tant mieux.
En outre, Jean-Yves Picq refuse d’admettre une chose : que le théâtre contemporain n’existe qu’à travers la lecture, l’analyse et la réadaptation d’œuvres des siècles passés. Selon lui, cette affirmation équivaut à considérer que le théâtre, de nos jours, n’a plus rien à offrir. Encore faut-il avoir assez d’imagination et d’inspiration pour prouver le contraire. Toutefois J.Y. Picq ne se laisse pas décourager, et s’interroge activement sur la place et le rôle du théâtre dans la société. Par ailleurs, il promeut le théâtre contemporain grâce a de nombreuses lectures, dans l’Hexagone comme a l’étranger, notamment en Afrique ; et surtout, surtout, il lutte contre l’ « académisation » du théâtre, un processus qui selon lui pourrait porter un coup fatal a la création artistique et théâtrale. Comme il le dénonce – enfin, dénonçait, car cela fait bientôt dix ans – dans une note sur le théâtre et la mondialisation, les institutions culturelles, en plongeant dans un « gentil train-train », font du théâtre un « acte vain ». C’est pourquoi un retour vers le théâtre, - et par là il faut comprendre théâtre qui n’a aucune fin lucrative ni commerciale, mais dont le premier objectif serait de soulever un vrai « débat » - s’impose.
Son combat, pour sauver le théâtre de cette paralysie qui le frappe depuis quelques années, n’est pas sans rappeler celui du personnage principal d’État des lieux (1992), Henry, qui, malgré un contexte différent, mène un combat pour sauver le Tiers Monde. Ce désespoir face à l’état inquiétant du monde également dans Partition (1985). J.Y. Picq y relate l’histoire d’un journaliste traumatisé par toutes les horreurs dont il a été le colporteur qui s’enferme dans le mutisme. Comme quoi, J.Y. Picq a des sujets qui lui tiennent à cœur.
« Il ne manque pourtant pas de livres, d’articles, de réflexions, de cris d’alarmes, d’enquêtes, de témoignages de la part de gens courageux, lucides, instruits et déterminés pour oser affronter de face nos viandards du monde, nos charognards de la Planète, nos Maîtres assassins. Par contre, il manque singulièrement un théâtre. » Jean-Yves Picq
« Si j’étais un personnage de théâtre ? Peut-être Prospero dans La Tempête. » Jean-Yves Picq
Vendredi 13 novembre 2009 à 3:11
On s'est retrouvé au CDI pour l'heure de théorie que l'on a pas fait. ( il faut quand même y penser, je le dis pour les nouveaux .. )
On a fait une italienne du texte, qui n'était pas sus de tous, on est donc partie à l'amphithéâtre pour le travailler ; pendant que les couples de slaves travaillaient leur entrée et leurs gestuelles ( tout ça sans un bruit, ni un mot : c'était un travail de silence, savoir
que l'on peut faire beaucoup sans les paroles, mais en exprimant ce que l'on veut faire passer au spectateur par la forme ). Les couples de Slaves était accompagné de la voix, qui est jouée par Julia : elle devait parler et annoncer ce qu'ils faisaient.
Pendant ce temps les autres travaillaient leurs textes par petit groupe. " Il faut savoir le dire dix fois d'affilés, sans se tromper, à la virgule près. Connaître son texte c'est pouvoir le dire en marchant, en faisant la vaiselle, sous la douche, allonger, debout, en chantant ; tout ça sans un accros .. "
O.Massis. On l'a donc dis et redis et répété avec les gens avec qui on devait le dire. Mais à la fin, on trouvait un peu le temps long ..
C'est alors que Mr. Massis appella Romain pour qu'il travaille son entré sur scène. cette fois-ci ont étaient tous concernés parce qu'il fallait l'aider. Comment montrer qu'on est en colère, ( encore sans paroles et sans bruits ). se poser des questions : que fait-on lorsque l'on est énervé ?! essayer de trouver .. qu'est ce qui est mieux : la colère blanche ( impassible et froid, cependant remplis de haine ) ou la colère rouge ( qui monte petit à petit, pour finir par littéralement exloser ) [ élèves de Term, j'en appelle à vous cours de philo .. je me suis trompée ?! ]. Donc cette semaine lorsque vous vous énerverez, pensez bien dans quel état vous êtes, pour aider et suggérer.
Puis le cours c'est terminé.
On a fait une italienne du texte, qui n'était pas sus de tous, on est donc partie à l'amphithéâtre pour le travailler ; pendant que les couples de slaves travaillaient leur entrée et leurs gestuelles ( tout ça sans un bruit, ni un mot : c'était un travail de silence, savoir
que l'on peut faire beaucoup sans les paroles, mais en exprimant ce que l'on veut faire passer au spectateur par la forme ). Les couples de Slaves était accompagné de la voix, qui est jouée par Julia : elle devait parler et annoncer ce qu'ils faisaient.
Pendant ce temps les autres travaillaient leurs textes par petit groupe. " Il faut savoir le dire dix fois d'affilés, sans se tromper, à la virgule près. Connaître son texte c'est pouvoir le dire en marchant, en faisant la vaiselle, sous la douche, allonger, debout, en chantant ; tout ça sans un accros .. "
O.Massis. On l'a donc dis et redis et répété avec les gens avec qui on devait le dire. Mais à la fin, on trouvait un peu le temps long ..
C'est alors que Mr. Massis appella Romain pour qu'il travaille son entré sur scène. cette fois-ci ont étaient tous concernés parce qu'il fallait l'aider. Comment montrer qu'on est en colère, ( encore sans paroles et sans bruits ). se poser des questions : que fait-on lorsque l'on est énervé ?! essayer de trouver .. qu'est ce qui est mieux : la colère blanche ( impassible et froid, cependant remplis de haine ) ou la colère rouge ( qui monte petit à petit, pour finir par littéralement exloser ) [ élèves de Term, j'en appelle à vous cours de philo .. je me suis trompée ?! ]. Donc cette semaine lorsque vous vous énerverez, pensez bien dans quel état vous êtes, pour aider et suggérer.
Puis le cours c'est terminé.
A la semaine prochaine ..
Claire G`
Claire G`
Dimanche 8 novembre 2009 à 12:31
Nous avons passé les 3 heures de cette séance au CDI.
Durant la première heure, nous avons travaillé individuellement notre texte d'Etat des lieux. C'est juste après que Michel Azama nous a rejoint.
Nous avons tout d'abord parlé de la pièce Iphigénie ou le péché des Dieux qu'il a lui-même écrit en 1989 et que nous avons joué l'an dernier. Après avoir regardé un montage photo de la pièce, Michel Azama nous a posé quelques questions pour connaître le verdict des spectateurs et bien entendu, celui des acteurs. Romain, Clémentine, Claire S, Claire G, Margaux et moi étions les seuls restants de l'année dernière. Globalement, nous avons tous répondu à peu près la même chose : un début très difficile à l'approche du texte assez complexe, aux différents rôles du choeur car chacun pensait avoir un "petit rôle sans importance", le terme "tragédie" qui nous effrayait beaucoup, la peur de la réaction du public et enfin, la bonne performance des représentations qui était très incertaine ; cependant, une vision très évolutive au fil du temps : nous avons appris à bien comprendre et interpréter le texte, à bien "former" nos personnages, à y prendre goût sans se plaindre du "petit rôle" puisque l'on s'est vite rendu compte de la grande importance du choeur, et enfin, au fil de l'année, de plus en plus de confiance en soi. C'était ensuite aux des spectateurs de commenter cette pièce : un mauvais présentiment à la vue du décor et du langage très soutenu, mais la plupart affirme s'être fait "prendre par l'histoire", et au final, avoir un exellent point de vue sur la pièce :)
PAS FINIIIIII !!!
C'était ensuite à notre tour de lui poser des questions. Le sujet était sur le théâtre en général mais il a très vite bifurqué sur sa vie personnelle : de quoi s'inspire-t-il pour écrire ? A-t-il déjà été déçu de certaines représentations de ses pièces ? etc. etc...
Et c'est enfin que nous avons eu droit à un grand privilège : l'écouter lire quelques extraits de sa nouvelle pièce qu'il n'a même pas enocre publié : Dissonance.
Mélanie
Durant la première heure, nous avons travaillé individuellement notre texte d'Etat des lieux. C'est juste après que Michel Azama nous a rejoint.
Nous avons tout d'abord parlé de la pièce Iphigénie ou le péché des Dieux qu'il a lui-même écrit en 1989 et que nous avons joué l'an dernier. Après avoir regardé un montage photo de la pièce, Michel Azama nous a posé quelques questions pour connaître le verdict des spectateurs et bien entendu, celui des acteurs. Romain, Clémentine, Claire S, Claire G, Margaux et moi étions les seuls restants de l'année dernière. Globalement, nous avons tous répondu à peu près la même chose : un début très difficile à l'approche du texte assez complexe, aux différents rôles du choeur car chacun pensait avoir un "petit rôle sans importance", le terme "tragédie" qui nous effrayait beaucoup, la peur de la réaction du public et enfin, la bonne performance des représentations qui était très incertaine ; cependant, une vision très évolutive au fil du temps : nous avons appris à bien comprendre et interpréter le texte, à bien "former" nos personnages, à y prendre goût sans se plaindre du "petit rôle" puisque l'on s'est vite rendu compte de la grande importance du choeur, et enfin, au fil de l'année, de plus en plus de confiance en soi. C'était ensuite aux des spectateurs de commenter cette pièce : un mauvais présentiment à la vue du décor et du langage très soutenu, mais la plupart affirme s'être fait "prendre par l'histoire", et au final, avoir un exellent point de vue sur la pièce :)
PAS FINIIIIII !!!
C'était ensuite à notre tour de lui poser des questions. Le sujet était sur le théâtre en général mais il a très vite bifurqué sur sa vie personnelle : de quoi s'inspire-t-il pour écrire ? A-t-il déjà été déçu de certaines représentations de ses pièces ? etc. etc...
Et c'est enfin que nous avons eu droit à un grand privilège : l'écouter lire quelques extraits de sa nouvelle pièce qu'il n'a même pas enocre publié : Dissonance.
Mélanie
Dimanche 18 octobre 2009 à 11:01
Nous y voila!!!
La scene.
L'affiche.
Une bequille.
Un des decor...
... autre decor.
Les acteurs...
Roh Ma In, le notable.
Roh Ma In le notable et sa cour.
Roh Ma In et une de ses fans!!
Le cintre (un peu rate).
La regie...
... son musicien ...
... ses instruments de musique ...
... ses projecteurs. Envois le 12!!!!
La loge.
Costume...
... et accessoires.
Merci, nous avons passe un bon moment
en votre compagnie.
Un des decor...... autre decor.Les acteurs...Roh Ma In, le notable.Roh Ma In le notable et sa cour.Roh Ma In et une de ses fans!!Le cintre (un peu rate).La regie...... son musicien ...... ses instruments de musique ...... ses projecteurs. Envois le 12!!!!La loge.Costume...... et accessoires.Merci, nous avons passe un bon momenten votre compagnie.
Mercredi 14 octobre 2009 à 10:19
La séance du jeudi 8 octobre s'est entièrement passée à l'amphithéâtre.
En effet, durant les deux premières heures, l'audition tant attendue pour certains et tant appréhendée pour d'autres a eu lieu, afin de décider à qui sera décerné le rôle de la Voix Off, un rôle particulier de la pièce, nécessitant une voix particulière et une prestation tout aussi particulière... Ainsi, afin de choisir au mieux cette personne, un autre professeur était présent : Mme From, le professeur de musique de l'école, pour évaluer la voix et le potentiel de chaque élève.
Cette audition consistait à interpréter, comme on le sentait, une des chansons proposées par Sophie et Monsieur Massis, à savoir "La chenille", "Allez viens boire un p'tit coup à la maison" et "Emmène-moi danser ce soir". Il fallait "se lâcher" selon nos professeurs, et ne pas hésiter à partir dans un grand délire.
Cette audition consistait à interpréter, comme on le sentait, une des chansons proposées par Sophie et Monsieur Massis, à savoir "La chenille", "Allez viens boire un p'tit coup à la maison" et "Emmène-moi danser ce soir". Il fallait "se lâcher" selon nos professeurs, et ne pas hésiter à partir dans un grand délire.
Cela n'a pas été facile, étant donné que chaque élève devait chanter seul, (avec un micro, que les professeurs avaient oublié de mentionner et qui a surpris beaucoup de monde...) devant une vingtaine de paires d'yeux.
Malgré cela, le groupe a apprécié le courage de certains élèves, qui ont osé se lancer et ont vaincu leur timidité. Par ailleurs, certaines prestations étaient très sympathiques et amusantes.
Malgré cela, le groupe a apprécié le courage de certains élèves, qui ont osé se lancer et ont vaincu leur timidité. Par ailleurs, certaines prestations étaient très sympathiques et amusantes.
Finalement, même si tout le monde a eu plus ou moins peur de passer devant les autres élèves et les professeurs, chaque étudiant a eu le mérite d'avoir osé chanter et, ainsi, gagne un peu plus de confiance en soi.
Néanmoins, tout le monde n'est pas passé... Les élèves attendent toujours les prestations de Sophie et de Monsieur Massis!
Néanmoins, tout le monde n'est pas passé... Les élèves attendent toujours les prestations de Sophie et de Monsieur Massis!
Après cette audition, la distribution des rôles a été effectuée. Selon nos professeurs, l'attribution des rôles n'a pas été facile. Il a évidemment été difficile de satisfaire les souhaits de tous les élèves. Des joies…, des déceptions… certes. Mais les élèves éprouvent sûrement un même sentiment : l'impatience. L'impatience de découvrir ce que leur réservent Sophie et Monsieur Massis pour la pièce, car oui, ils ne nous ont pas encore tout dévoilés!
Clara
Dimanche 11 octobre 2009 à 12:08
Jeudi 8 octobre a eu lieu la représentation du "Hossan Leong Show". Hossan Leong est un acteur singapourien très connu ici; il a joué dans énormément de pièces de théâtre, comédies musicales, et quelques téléfilms. Le “Hossan Leong Show” a lieu tous les ans depuis 2003.
Le “Hossan Leong Show” est une parodie des programmes télévisés d’aujourd’hui. Le spectacle commence en musique : les 4 acteurs interprètent une chanson chorégraphiée dont le message est, en résumé : “Vous en avez marre de la télé ? Branchez vous sur le Hossan Leong Show pour vous changer les idées !”. Au cours du spectacle, Hossan, assisté de Chua Enlai, Celine Rosa Tan, et Karen Tan, trois acteurs professionnels singapouriens, imiteront donc plusieurs émissions américaines (Jay Leno, Ellen DeGeneres, Martha Stewart, David Letterman, etc.) en y rajoutant bien sûr leur touche personnelle. Au programme :
-Les “10 signes qui montrent que Singapour résiste à la crise financière”
-Les 10 prénoms les plus moches donnés aux enfants
-L’émission de cuisine peranakan
-Un duel de chansons entre Mariah « Scarey » (Chua Enlai) et Whitney « U-turn » (Hossan Leong)
-L’interview d’une spécialiste de Mas Selamat
-Le “relooking” complet d’une personne du public.
(Il y avait encore d’autres choses mais j’en ai malheuresement oublié beaucoup, le spectacle était vraiment très rempli, il aurait fallu prendre des notes !).
Le spectacle est également ponctué par des monologues autobiographiques de Hossan Leong. Il dit quelques phrases des phrases en chinois, agrémente toutes ses phrases de « Lah ! », utilise des expressions « singlish », interpelle le public, au grand bonheur de celui-ci.
Le thème principal du spectacle était sans aucun doute la crise économique. Avant d’entrer dans la salle, des “goody bags” sont offerts avec des tubes de dentifrice blanchissant, des bons de réduction pour Urban Outfitters, des publicités, des sachets de thé… De plus, tout au long du show, les sponsors sont mentionnés trés souvent et Hossan Leong descend de scène pour offrir des bouteilles de vin, des habits, une bouteille de bain de bouche, et même une machine à glace. Personnellement, cela ne m’a pas dérangée mais plutôt amusée, dans le sens où c’était vraiment exagéré. Cependant certaines personnes ont étés déçues par cet aspect commercial qui n’était pas présent les années précédents.
La critique de Singapour (la censure, le gouvernement) est également omniprésente. Elle reste légère pendant tout le spectacle; mais le show finit par une satire du “Singaporean pledge” assez forte, qu’Hossan Leong récite, la main sur le coeur, avant de saluer.
Le public était très receptif. L’énergie des acteurs était palpable; il n’y avait pas un seul instant où le spectacle “retombait”.
Le décor est celui d’une émission de télévisée normale. Sur le côté gauche, en biais, une station de DJ : en effet, le spectacle est accompagné par beaucoup de musique. Suivant le thème de l’ « émission » présentée, le personnels apporte des décors sur roulettes (par exemple, une cuisine toute équipée pour l’émission de cuisine). Les lumières ont aussi un rôle important, surtout pendant les chansons.
Pour finire, les critiques du show sont très positives, comme pour toutes les pièces de Hossan Leong. Personnelement, je trouve Hossan Leong génial depuis longtemps déja, et je n'ai pas été déçue par le spectacle ! J'aurais tout de même une critique : lorsque les acteurs improvisaient, cela ce remarquait vraiment par rapport aux parties répétées. Cependant, les parties vraiment improvisées ont étés très rares, donc cela n'était pas dérangeant.
(Pour ce qui est du son, des lumières, etc., j'ai cherché partout sur Internet qui était en charge mais je n'ai rein trouvé, désolée)
Pour voir une vidéo de la chanson chantée au début du spectacle: http://www.youtube.com/watch?v=Ai5V7pYGnHA
Samedi 10 octobre 2009 à 15:41
Patrice Chéreau est né en 1944 dans le Maine et Loire. Né dans une famille d’artiste, il est vite plongé dans le monde artistique. Il fit une partie de ses études au lycée Louis le Grand, à Paris où il rejoint la troupe de théâtre du lycée. C’est là qu’il ce découvre une passion pour la mise en scène. Après son bac, Après ses études de lettres classiques et d’allemand, à l’âge de 22 ans, Chéreau devient animateur de troupe au théâtre de Sartrouville de 1966 à 1969, puis ensuite de Villeurbanne (de 1971 à 1977) et au Piccolo Teatro de Milan.
Patrice Chéreau tourne en 1975 son premier film, adapté du roman de James Hadley Chase : La Chair de l'orchidée avec Simone Signoret et Charlotte Rampling. Son film suivant, L'Homme blessé, lui offre le César du Meilleur scénario en 1984.
Au cours des années 80 alors qu’il était directeur du théâtre des Amandiers a Nanterre, Chéreau fait la rencontre de Bernard Marie Koltes. Entre le metteur en scène et l’auteur une une complicité professionnelle rare et un « lien durable » ce créait. Chéreau monte la plupart des pièces de Koltès dans son théâtre comme par exemple Combat de nègre et de chiens, Quai Ouest en 1986, puis trois versions de Dans la solitude des champs de coton. Cette dernière fera le tour de monde et remportera un grand succès. Il mettra aussi en scène la dernière pièce écrite par Koltès Le Retour au désert, en 1988 peu avant la mort de l’auteur à 41 ans.
En 1990 Chéreau quitte le théatre des Amandiers et ce lance dans la mise en scène d’opéras (Wozzeck, de Berg, 1993; Don Giovanni, de Mozart, 1994). Parallèlement, sur une période de quatre ans, il écrit en collaboration avec Danièle Thompson « la reine Margot ». C’est avec ce film qu’il s’impose au cinéma. Son film lui permettra de gagner le prix du jury décerné à Cannes.
En 2003, après 7 ans d’absence au théâtre, Chéreau revient avec une mise en scène de Phèdre de Racine. C’est une mise en scène originale qu’il propose et qui surprend le public. Ce dernier est installé de part et d’autre d’une scène qui ressemble à un long couloir, lui donnant l’impression de faire parti de la pièce tout en restant spectateur. Pour renforcé ce sentiment, Chéreau va jusqu’à briser le 4eme mur, lorsque Hyppolyte, en pleine tirade vient s’assoir dans les gradins. Le poids du destin qui pèse sur les personnages est mis en avant grâce au jeu des acteurs, dont les corps semblent torturés et affaiblit par leurs destins, et à l’éclairage particulier, essentiellement composé de halo lumineux qui suit les personnages. Il rompt aussi avec la tradition en présentant sur scène le fils de Phèdre, et choc le public en mettant en scène une Phèdre torturée par le remord qui va jusqu’à présenter son sein nu à Hyppolyte. Avec cette mise en scène Chéreau remporte son pari de rendre accessible ce classique du théâtre francais.
On dit souvent des travaux de Chéreau qu’ils combinent recherches plastiques, réflexions politiques et exploration des obsessions humaines. Chéreau s’adapte à son époque, et cherche à faire réfléchir son public, en rajoutant au sens du texte ou du script un sens de la mise en scène. En 2006 il devient président de la Femis qu’il quitte quelques mois plus tard au motif d’un emploi du temps trop chargé.
Mercredi 7 octobre 2009 à 13:10
La séance du jeudi 1er octobre s'est déroulée en trois temps.
Dans un premier temps, suite à la lecture de la pièce effectuée la semaine précédente, les premier et deuxième choix de chacun concernant les rôles ont été relevés.
Nous avons ensuite reçu la visite d'un ancien élève du LFS, Alexandre, actuellement étudiant à Nanyang Technological University (à confirmer ?). Alexandre suit des études de cinéma, et doit réaliser un court métrage impliquant deux jeunes garçons occidentaux, c'est pourquoi il nous a tout d'abord parlé de son scénario et a invité les éléves intéressés à se présenter au casting. Ses conseils durant la suite de la séance nous ont été d'une aide précieuse.
En effet, la troisième partie de la séance a été consacrée à la conception du court-métrage qui ouvrira le spectacle. Nous nous sommes séparés en groupes de quatre ou cinq afin de mettre sur papier des idées de scénarios. Nous devions prendre en compte une condition sine qua non, à savoir la présence obligatoire de tous les personnages dans quelques minutes de film seulement. Nous avons ensuite mis en commun nos idées, et après en avoir éliminé certaines pour des raisons techniques (impossibilité de se procurer beaucoup de voitures, trop de lieux de tournage différents...), nous avons procédé à un vote afin d'élire la meilleure proposition. C'est le court-métrage de Clémentine K., Axelle, Camille et Joséphine G. qui a emporté le plus de voix. Le montage du court métrage sera confié à Clémentine K. et Auxane.
Claire
Dimanche 4 octobre 2009 à 5:37
Bonjour a tous, je vais vour faire le court resume de la seance du jeudi 24 septembre 2009.
Ce jour la, le texte de notre comedie: " Etat des lieux " nous a ete donne. Nous en avons pris connaissance en restant au CDI pendant trois heures a lire la piece. Le groupe etait enthousiaste, car en decouvrant et en s identifiant a certains roles, nous nous bations pour lire le texte du personnage qui nous plaisait le plus. Inutile de dire que tout le monde etait ravit de faire de la comedie et d avoir les premieres impressions sur le texte, apres un depart plus ou moins difficile en debut d annee sur le choix de notre future piece. A la fin de cette seance, il fallait relire le texte et avoir une idee des personnages que nous voudrions incarner pour le jeudi prochain.
Bon dimanche, et VIVE l option theatre.
Roro F.
Ce jour la, le texte de notre comedie: " Etat des lieux " nous a ete donne. Nous en avons pris connaissance en restant au CDI pendant trois heures a lire la piece. Le groupe etait enthousiaste, car en decouvrant et en s identifiant a certains roles, nous nous bations pour lire le texte du personnage qui nous plaisait le plus. Inutile de dire que tout le monde etait ravit de faire de la comedie et d avoir les premieres impressions sur le texte, apres un depart plus ou moins difficile en debut d annee sur le choix de notre future piece. A la fin de cette seance, il fallait relire le texte et avoir une idee des personnages que nous voudrions incarner pour le jeudi prochain.
Bon dimanche, et VIVE l option theatre.
Roro F.
Dimanche 4 octobre 2009 à 2:51
Bonjour à tous !
Ce message s'adresse plus particulièrement aux 1ères et terminales qui assisteront à la rencontre avec la cinéaste MARINA DE VAN, le lundi 12 octobre à 16h30 en salle des conseils au LFS.
Son film, NE TE RETOURNE PAS, sera sur les écrans le dimanche 11 octobre, dans l'après-midi.
Réservez (obligatoirement) vos places dès maintenant. Ainsi, nous pourrons échanger autour de son travail, de sa réalisation.
C'est très important !
Pour les virtuoses du DIVX, elle a aussi réalisé SOUS LA PEAU.
Olivier Massis.
Ce message s'adresse plus particulièrement aux 1ères et terminales qui assisteront à la rencontre avec la cinéaste MARINA DE VAN, le lundi 12 octobre à 16h30 en salle des conseils au LFS.
Son film, NE TE RETOURNE PAS, sera sur les écrans le dimanche 11 octobre, dans l'après-midi.
Réservez (obligatoirement) vos places dès maintenant. Ainsi, nous pourrons échanger autour de son travail, de sa réalisation.
C'est très important !
Pour les virtuoses du DIVX, elle a aussi réalisé SOUS LA PEAU.
Olivier Massis.