Une centaine d’histoires classiques de kathakali, cependant seules les plus populaires d'entre elles sont jouées, ce qui réduit leur nombre au tiers. En voici une…

Kalyana souganghikam

          Bhima, fils du dieu du vent, se met à la recherche d’une rare fleur, sur Terre, la fleur Sougandhika (d’où le titre de l’histoire), afin de l’offrir à sa bien aimée : Panchali. Alors, il inspecte le magnifique bosquet de Kadali, et après n’avoir vu personne, Bhima décide de détruire le jardin afin d’y retrouver le gardien. Ainsi, ce dernier pourra lui indiquer l’endroit où cueillir la fleur et comment procéder.

           Au même moment, dans le même jardin, Hanuman, fils singe aîné du dieu du vent, et frère de Bhima, médite. Mais il perd vite sa concentration en entendant le bruit monumental de cette destruction. Il s’interroge… Puis il reconnaît Bhima, son frère. Et pour restreindre la réussite de son frère dans sa quête, il se met en travers de son passage. Mais Bhima ne s’énerve pas, et attend.

       Plus tard, le singe cède, et après avoir annoncé à Bhima qu’il était son frère, il lui donne sa bénédiction et l’aide finalement à trouver la fleur Sougandhika.

De gauche à droite : Bhima, et sa femme Panchali.

         ==> On peut trouver d’autres histoires telles que  le Keechakavadham (une autre histoire de Bhima et Draupadi, cette fois-ci travaillant déguisés), le Kiratham (le combat de Arjuna et de la déesse Shiva, dans le Mahâbhârata), le Karnashapatham (le Mahâbhârata).

 [J’apporterai plus tard des précisions sur ces autres histoires…]

       Dans la plupart des cas, une scène d’amour introduit l’intrigue (dans le cas du Kalyana souganghikam, Panchali demande amoureusement à Bhima de lui rapporter la fleur). On retrouve par ailleurs les mêmes thèmes majeurs : conflits, rivalités et combats, relations amoureuses, le tout, à l’image du monde des mortels.

Aujourd’hui, de nouvelles histoires ont été créées en s’inspirant de thèmes religieux (aussi bien de l’indouisme, bouddhisme, et du christianisme), de grands auteurs (Shakespeare, ou de thèmes d’actualité (Gandhi, la guerre du Japon, même Hitler…)

Clara.a

Théâtre et Religion chez les Grecs :

Le théâtre grec a une origine religieuse : le culte de Dionysos, le dieu du vin, des arts et de la fertilité. Des cérémonies avaient lieu trois fois par ans, elles s’appelaient les dionysies.Les trois principaux festivals de théâtre étaient les dionysies champêtres, de décembre a janvier, les Lénéennes, de janvier a février , et enfin les grandes dionysies. Les dionysies champêtres étaient organisées dans les dèmes de l’attique : les dèmes pauvres se contentaient d’un cortège, les plus riches mettaient sur pieds des concours tragiques ou comiques.Les Lénéennes étaient purement athéniennes et beaucoup moins panhelléniques que les grandes dionysies et ne comportaient pas de concours de dithyrambe.Enfin, les grandes dionysies avaient lieu a Athènes, duraient cinq jours de suite du lever au coucher du soleil a raison d'un auteur par jour, ceux qui y assistaient entièrement pouvaient entendre plus de vingt mille vers sans compter les dithyrambes. Elles commençaient par une procession, suivie d'un sacrifice et d'un banquet. Un concours de dithyrambes, poésies chantées et dansées en l'honneur de dieu, précédait les concours dramatiques proprement dits. Après un nouveau sacrifice, au théâtre cette fois, on tirait au sort les juges qui, a raison d'un par tribu, auraient a se prononcer a l'issue des quatre jours de représentation : trois pour la tragédie et un pour la comédie. Chaque poète tragique présente une tétralogie, c'est-à-dire trois tragédies (en principe sur le même sujet : ainsi l'Orestie d'Eschyle, seule trilogie qui nous soit parvenue, comprend l'"Agamemnon", "les Choèphores" et "les Euménides") et un drame satyrique. Pour les comédies, cinq poètes présentaient chacun une pièce ; les spectateurs assistaient donc à quinze, voire à dix-sept pièces en quatre jours. Une tragédie comporte : un prologue, l'arrivée du choeur (parodos), des épisodes (ou actes) séparés par des chants du choeur (stasima) et un acte final avec sortie du choeur (exodos) ; au total, le plus souvent, cinq "actes" qui sont à l'origine des divisions des tragédies françaises. La comédie d'Aristophane offre à peu près les mêmes divisions, mais comporte en plus une parabase où le choeur, en "civil", interpelle le public au nom du poète (Aristophane, Acharniens). Avant la représentation, la troupe défile devant le public ; la statue de Dionysos est tirée de son temple et placée sur le théâtre ; enfin arrive un héraut proclamant le nom du poète. La représentation commence très tôt le matin, peu après le lever du jour. On s'y rend la tête couronnée comme pour une cérémonie religieuse ; chaque spectateur reçoit à l'entrée un jeton portant une lettre de l'alphabet désignant la section des gradins où se trouve sa place (chaque tribu a sa section). Le prix d'entrée est très modique (deux oboles = quelques francs) et permet d'assister à toutes les représentations de la journée, soit, avant le coucher du soleil, quatre ou cinq pièces, chacune jouée sans entracte. A la fin du concours, dix juges tirés au sort votent ; sur leurs dix votes, on en tire au sort cinq qui constituent le jugement définitif....pas toujours accepté du public d'ailleurs (Platon, les Lois). Trois prix sont décernés dans chaque catégorie, tragique et comique : au poète, au chorège et au protagoniste. Les vainqueurs reçoivent une couronne de lierre et dédient à Dionysos un ex-voto ; il en subsiste un à Athènes : le monument de Lysicrate. Le gagnant, auteur ayant écrit la meilleure pièce était récompensé par un bélier.Le théâtre grec a pour origine le culte de Dionysos, dieu de la fertilité et du vin. Des dithyrambes, processions, danses, chants, et paroles en vers a la gloire des héros grecs, avaient lieu autour de son temple sur l'agora dans la région de Corinthe. Lentement, un lieu spécifique s'intègre au temple pour les représentations théâtrales. La tradition raconte que Thespis, auteur du VI e siecle av. JC, qui se produisait près d'Icaria, révolutionna le dithyrambe : il introduit le premier acteur, le protagoniste. Pendant que le cœur chantait, l'acteur intercale des vers parlés. Le protagoniste joue tous les rôles : c'est la forme primitive du théâtre. Eschyle introduit le deutéragoniste (2eme acteur) et Sophocle le tritagoniste (3eme acteur). Cette forme de théâtre connut un développement très rapide. En effet, dès 538 av. JC, Prisistrate organisa le premier concours athéniens de tragédies. Au temps du développement de la philosophie et de la démocratie, le théâtre devient sujet a des interrogations politiques.
Mais on célébrait toujours Dionysos au temple, et son culte restait aussi toujours présent au théâtre. Non seulement le théâtre contait les mythes et les fables et se déroulait pendent les dionysies et les Lénéennes,mais en plus, le théâtre était instauré de manière a communiquer avec les dieux.

Acteurs et rôles :

Dès le début de ses études, l’acteur doit choisir quel type d’acteur il veut être jusqu’à la fin de sa carrière. Il existe quatre différentes catégories de types d’artistes dans le théâtre Nô qui elles-mêmes sont divisées en plusieurs rôles. Les deux types d’acteurs les plus importants sont le shite, qui fait partie de la catégorie des shitekata et qui est le personnage principal, et le waki qui est le secondaire, faisant partie de la catégorie des acteurs wakikata. D’ailleurs, toutes les écoles d’acteurs sont spécialisées dans une sorte d’artistes. Il y a par exemple les écoles Kanzé, Kita et Konparu pour les shitekata, celles de Takayasu, Fukuô et Hôshô pour les wakikata, celles de Ôkura et Izumi pour les kyôgenkata et enfin, celles d’Issô, Kô, Kadono et Komparu pour les hayashikata (les musiciens).

Le personnage principal, le protagoniste appelé le Shite, peut interpréter toutes sortes de rôles : un dieu, une femme, un vieillard, un enfant etc. Sa nature est ainsi évoquée grâce à son costume ou à son masque. Le Shite est d’ailleurs le seul a porté un  masque ce qui consiste à ce que l’attention du public soit plus focalisée sur lui que sur les autres personnages. En plus de cela, il est toujours accompagné du personnage Waki qui l’incite à danser pour ensuite, aller au coin de la scène et laisser au public le plaisir de contempler le personnage principal. Ainsi, contrairement au Shite qui est appelé « celui qui fait » et « celui qui agit », le Waki n’est que « celui du côté ».

Ce dernier, qui est un rôle secondaire, est toujours représenté par un homme politique (le daijin-waki), soit par un homme religieux (le sô-waki) ou soit par un homme ordinaire (le otoko-waki). Ainsi, comme il l’a été dit précédemment, le Waki a pour objectif principal de donner au Shite une bonne raison pour danser.

Les costumes  du théâtre Nô sont appelés shozoku et sont à la base, des vêtements de cérémonies des nobles et des samouraïs du XIV – XVIe siècle............. PAS FINI

Les 2 plus grands auteurs de l'époque romaine

PLAUTE:

C'est le premier auteur de comédies romaines. Il est né au Nord de Rome dans une ville qui porte le nom de Ariminium en 251 probablement. Avant de devenir Plaute, on le nomme Titus.

Son histoire débute lorsqu'il est recruté par les Romains à Rome, il devient soldat et c'est grâce au triomphe de son général qu'il défile dans les rues de la capitale. Il devient un citoyen romain mais connait une période de chomeur avant de s'engager dans une troupe d'exodium. Il est dans la troupe un maccus ( un pitre souffre-douleur) et tient son nom "Plautus" de cet experience. Ce surnom donné par le public, signifie celui qui marche à plat. Plaute commence tout juste à se lancer dans la carrière d'acteur lorsque celle-ci est ébranlé par une guerre Pudique qui envahit Rome. Desormais, le theatre est censuré ce qui lui empeche de poursuivre son rêve. Avant de se lancer à la recherche d'un travail, il définit son nom une fois pour toute et on le nomme Titus Maccus Plautus. Il est embauché dans une boulangerie jusqu'à ce que la paix soit instauré. Pendant cette periode d'invasion, même si le théâtre est censuré des écoles de comédiens existent déjà. Plaute tente de pouvoir s'y inscrire mais n'a finalement guère les moyens de suivre de tels cours. 

Il renonce à être un acteur quand il se rend compte que ce n'est pas pour lui et à la place il se fait "auteur de comédies". Il consacre son temps à écrire des pièces et en fait son métier. La chance est avec lui, ces pièces sont un succès auprès du public et il devient à présent un citoyen romain aisé. Plaute va écrire un peu plus de 140 pièces au court de sa vie mais uniquement une vingtaine ont été entierement récupérés aujourd'hui. Plaute réussi à amuser et à attirer le plublic grâce au chant et à la danse qu'il intègre dans ces représentations. De plus, un des atouts parmis tant qui a permis à Plaute de connaitre un grand succès sont les nombreuses allitérations qu'il ajoute. Elles sont très belle et accroche le spectateur immédiatement.

Ces pièces les plus connues sont Amphitryon (-214) ainsi que Casina. Il rédige une pièce du nom de Aulularia qui d'après des ressources signifie la marmite et serait l'ancêtre de la pièce L'avare de Molière.


TÉRENCE:

Contrairement à Plaute, Térence est né à Carthage. Depuis son plus jeune âge, il est emmené à Rome oú il devient esclave. A 16 ans, il est un esclave affranchi. C'est son maitre qui lui aura fait connaitre l'apprentissage des langues. Térence prend un grand plaisir dans la littérature et d'ailleurs il fera parti du clan littéraire de la riche famille des Scipion.

Ce dernier ne connaitra jamais la citoyenneté romaine, il n'écrira jamais pour vivre à la différence de Plaute. Il se fait ennemi de la truculence et des personnages types avec un reglement. Vraisemblablement, il ne vivra pas le même succès qu'a eu Plaute mais il se fait admiré de Cicéron et par la suite de Horace et Boileau. De plus, à la difference de Plaute, Térence a une préférence pour les textes sans chant. On dit de lui qu'il est le maitre des comédies calmes (du latin : Stataria)

Térence connait une vie très courte et meurt à l'âge de 26 ans. Il n'aura écrit que 6 pièces au cours de sa vie, dont:
L'Andrienne rédigé en -166 ainsi que L'Hecryre en -165.


Josephine Masson

Avant toute chose, ce jeudi 18 mars a été une séance particulière: le MUN a monopolisé sept personnes qui n'ont pas pu participer à la séance. Comme chaque semaine depuis un mois, nous avons passé la première heure au CDI, Mr Massis a pris certains en tête à tête pour faire un point. L'heure au CDI terminée, comme le MUN se déroulait entre autre à l'amphi, Mr Massis nous a laissé une demi-heure de libre qui est vite passée. Tous les présents se sont ensuite retrouvés devant la scène, nous avons commençé par un échauffement du corps suivi par des exercices de la voix. Nous avons terminé par le jeu "PAN". Mr Massis et Sophie nous ont divisé en différentes activités: Emilien et Romain ont travaillé le début de la scène "ÇA S'ANNONCE",  Mélanie, Margot et moi avons travaillé la scène: "NOSTALGIE", les autres ont fait une italienne. Ça a été une petite séance vis-à-vis des précédantes, mais nous avons néanmoins bien avancé sur "ÇA S'ANNONCE" et "NOSTALGIE".             

Camille             

Les Grecs apprécient le théâtre car ils leur permet d’avoir l’occasion de critiquer leur gouvernements. Ils l’appréciaient aussi car il était gratuit à tous et personne n’était exclus. Tout le ,onde était le bien venu et chacun avait le droit de juger. De plus le public avait le droit de jeté des fruits ou des légumes, s’ils exigeaient que les acteurs ou que la pièce était mauvaise. De même, les riches offraient des place aux plus pauvres. Les Grecs aimaient les distractions causées par les dialogue du théâtre, ainsi que l’émotion causées par les tragédies et de l’amusement des comédies. Le public bne loupait pour rien au monde une représentation théâtrale.

Les pantomimes

La pantomime est un spectacle d'origine Sicilienne typiquement Romain. Souvent à tonalité tragique il comporte un acteur ou actrice mais uniquement dans le pantomime latin.

C'est une pièce de théâtre basée sur le mime et donc muette. Sur scène il y a donc seulement un acteur qui incarne tous les personnages. Celui-ci peut être accompagné d'un groupe de danseurs et d'un petit orchestre. L'acteur revêt un simple costume de soie (que l'actrice dans le pantomime latin retire a la fin du spectacle) et porte un masque aux lèvres fermées. Le spectacle a souvent des thèmes grossier et irrespectueux. C'est d'ailleurs pourquoi, la pantomime est souvent appelée animation de barbare car tout le monde peut la comprendre grâce a la absence de parole. Souvent les acteurs sont des anciens aristocrates ou vedettes qui, ne possédant plus de pouvoir politique, préfèrent la gloire au statut social. Les représentions sont soit privées soit publiques ce qui élargit l'auditoire.

Le comédien et les costumes

Masques et perruques

Les masques étaient principalement utilisés pour amplifier la voix et les traits sont exagérés pour être vus de loin

Les perruques jouaient également un rôle très important dans la différenciation des personnages, car elles correspondaient à la fois à l’âge mais aussi à la situation sociale du personnage

• les hommes libres âgés: perruque blanche

• les fils de familles aisées: blonde

• les esclaves: rousses

Les costumes

Les costumes permettent l'identification du personnage: la physionomie, la robe et ses motifs.

• les antagonistes: grands et maigres

• les protagonistes: petits et ronds

Les chaussures -les cothurnes- sont différentes selon s'il s'agit d'une tragédie ou d'une comédie ( hautes pour la tragédie ).

Le jeu de l'acteur

Il existait différents types de jeux

La chironomie correspondait au jeu des mains basé sur le raffinement de l’expression des doigt il existait quatorze positions pour des sens différentiels

L'orchestique correspondait au jeu du corps qui était caractérisé par l' enroulement et le déroulement des corps

Les expressions du visages étaient très importantes, par exemple, les sourcils en accent circonflexe signifiaient la malveillance

Chloe D
 

Mais plus le temps passe te plus les goûts deviennent ocrent. Les romains deviennent fainéants et incultes et ne se mettent qu’a aimer les combats de gladiateurs.

Suite a l’explication de l’architecture des théâtres romains, nous allons parler des décors. Le mur de scène romain prend différentes tournures qui dépendent du sous genre joué. Lors d’une pièce tragique, on trouve des colonnes, un fronton et d’imposantes statues. Le tout étant sensé représenter un palais royal. Pour une pièce comique, le mur de scène était composé de maisons à balcons et fenêtres, maisons traditionnelles romaines. L’impression de réalisme de la vie de tous les jours permet aux spectateur de plus ou moins s’identifier aux personnages de la pièce jouée. Enfin lors d’une pièce satyrique, le décors est fait de cavernes, bocages et montagnes. Ces éléments provenant de paysages peints, ils présentent un effet de surréalisme : la satyre ne dois qu’appartenir au théâtre.

Le mur de scène avant deux fonctions. Plus il était complexe, plus la fortune du donataire pour cette pièce était mis en valeur. De plus, ce mur doit créer l’illusion parfaite et encore une fois, plus l’illusion est bien, plus le donataire est reconnu.

La naissance du théâtre romain

Le théâtre romain semble débuter par de grandes processions religieuses avec des danseurs et des mimes. Cette première représentation théâtrale avait pour but d’apaiser la colère des dieux suite à une épidémie particulièrement virulente, en 364. Des prières mimées aux dieux étaient accompagnées de danse et de musique.

Ce lien avec la religion disparait ensuite peu à peu et le gout pour le « spectaculaire » se développe chez les romains. Les cérémonies, processions triomphales ou funéraires  en deviennent de véritables spectacles.

Plus tard, encore sous l’influence grecque, des pièces sont jouées sur une scène. Des poètes adaptent des tragédies et des comédies hellénistiques (de la période de la civilisation grecque) tout en conservant des caractères latins comme par exemple des personnages typés (Marcus l’imbécile, Possenus le bossu, Pappus le vieux barbon, …). Lors de cette recrudescence du genre théâtral, on voit apparaitre dans toute l’Italie des acteurs ambulants qui donnent des spectacles sur des tréteaux provisoire, devant un public debout.

Le gout du public pour le sensationnel engendre des mises en scène somptueuses et extravagantes. Le mur de scène, décor principal fixe, est lourdement décoré dans le but de plaire aux romains mais aussi de montrer la générosité du donataire des jeux. Cette multitude d’artifices montre bien  que la mise en scène est bien moins codifiée que dans l’antiquité grecque.

Les romains innovent particulièrement dans la technique et la machinerie. Ils reprennent et développent les techniques mises au point par les grecs comme les grues (pour faire descendre des dieux du ciel) et les trappes (faire monter des fantômes du monde des morts). Ils créent aussi des trucages ou des décors à doubles face.

Le rôle de la musique est essentiel dans le théâtre romain. Dans la comédie, le ton est choisi en fonction du rôle joue et le représente. Par exemple, les tons graves caractérisent les vieux personnages tandis que l’aigu représente la jeunesse. Ainsi, une dialogue entre un père et un fils est souligne par une alternance de grave et d’aigu.



Julia Pflimlin

L' ATTELLANE

A l’époque gréco-romaine, le théâtre était un des seuls moyens de divertissement et nombreuses étaient les pièces qui y étaient jouées. Tout le monde pouvait s’y rendre : hommes, femmes, enfants, esclaves. Tandis que l'État appréciait le théâtre car il faisait régner l’ordre en ne montrant que des pièces jouées en faveur de l'État, les citoyens et non-citoyens qui venaient au théâtre l’appréciait pour la diversité des thèmes de ce dernier. Au milieu d IIeme siècle avant J-C, de nombreux types de pièces étaient jouées dans le théâtre romain. Toutes les pièces devaient divertir les gens dans le but de leur trouver un exutoire à leurs émotions, soit par le rire (comédies), soit par les larmes (tragédies). Un des types de pièces les plus appréciées était l' attellane.

L' atellane est un genre théâtral latin qui apparaitra tout d'abord en Campanie avant d'être importé puis joué à Rome. Elle puise ses sources dans la Comédie Nouvelle dont elle reprend les costumes en caricaturant parfois les masques de façon outrancière. Les pièces étaient joués en osque, un dialecte de la Campanie, une région d' Italie méridionale d'où est originaire le genre.

C' est une courte farce, une pièce improvisée par des jeunes de bonne famille portant un masque et incarnant des personnages de convention comme les personnages types Maccus, Bucco, Dossenus, ou encore des êtres monstrueux comme des ogres. Les pièces étaient essentiellement caricaturale et les personnages étaient grossiers.

Ce genre donnera naissance à la Commedia dell'Arte dont les personnages de Pantalon et Polichinelle sont issus. Les nombreux personnages types comme Maccus, Dossenus, ou encore Bucco sont aussi inspirés de la Commedia dell'Arte.

Le demi-masque utilisé dans les attellanes permettait de conserver son anonymat lors d'une pantomime ou au début de l' atellane. Le théâtre grec mettra d'avantage à contribution les masques entiers. Empruntés à la vie quotidienne, les thèmes étaient très simples. L' atellane séduisait par son caractère familier et se servait de l’obscénité pour faire passer des messages aux spectateurs.



Emilien B